The Eyes – No había Ascensor

El cambio de nombre The Eyes vino durante 1964. En 1965 y 1966, The Eyes lanzaron una serie de sencillos como oposición al trabajo de The Who en aquel momento con unos innovadores rifts, distorsiones guitarreras y composiciones al estilo “mod” con melodias potentes y pegadizas. “When The Night Falls”, “The Inmediate Pleasure”, “I’m Rowed Out”, “You Are Too Much” y la sátira de “My Generation”, “My Degeneration”, son altamente reverenciadas por los coleccionistas de la Brittish Invasion. Sus ráfagas de caos electrónico estaban bastante avanzadas para la época, aunque como The Who tenían recursos y armonías para contrarrestar toda aquella “locura”.

A pesar de que solo grabaron cuatro singles y un solo álbum compuesto en su totalidad por versiones de los Rolling Stones, The Eyes es muy apreciado entre los fans y coleccionistas por su pequeña producción innovadora e impecable y que, siguiendo la senda de The Who, sonaban como puro pop-art en un hilo de libertad que profundizaba mucho más lejos. A pesar de cierta promoción y los elogios y buenas críticas de figuras notables, no lograron el éxito en las listas. Cuando se hizo evidente que probablemente nunca lo harían, aceptaron su destino y pusieron punto y final.

La historia de The Eyes se inicia con Chris Lovegrove, un joven que vivía en Ealing, la llamada “Reina de los suburbios” de Londres y hogar de figuras tan notables como Henry Fielding, Dusty Springfield, Pete Townsend y Fred Perry. Aspirando a ser la respuesta de Ealing a Hank Marvin, formó un combo instrumental al estilo de The Shadows, que pasó por una sucesión de nombres tales como The Aces, The Arrows y The Renegades. En esta época, vestidos con trajes a juego con cuellos almidonados y corbatas de oficina, la banda dedicó la mayor parte de su tiempo a tocar en bodas y pubs de barrio. Fue en una de esas actuaciones que un joven sugirió al bajista de The Renegades que lo que necesitaban era un cantante y que ese cantante era él, Dave Russell. Después de una prueba, Dave Russell fue admitido y la banda fue rebautizada como Dave Russell & the Renegades. Sin embargo, al igual que con la banda, Russell era muy volátil en lo referente a los nombres artísticos que iba utilizando y comenzó a hacerse llamar Gerry Hart, entonces la banda se convirtió en Gerry Hart And The Hartbeats en 1963. Ahora iban vestidos con chalecos brillantes, The Hartbeats tocaban baladas en escuelas, bodas y la YMCA.

En poco tiempo, les consideraron indiscutiblemente la mejor banda del South Ealing e incluso se jactaban de tener un club de fans con setenta miembros presidido por el padre de Lovegrove. Mientras se movían dentro de un estilo de R & B, el batería Kenneth Girwan decidió marcharse y fue reemplazado por Brian Corcoran de Hayes, una ciudad próxima, descrita por George Orwell como “Uno de los lugares más desolados del mundo y abandonados de la mano de Dios”.

En enero de 1965, Dave Russell/Gerry Hart incorporan a Terry Nolder y la banda se convirtió en The Eyes. En junio, Geoffrey Marsh se convirtió en su manager. Ahora lucían un aspecto mod y pop-art, The Eyes tocaron a menudo en el Ricky-Tick, un club británico de R & B al lado de Windsor y que habían frecuentado The Rolling Stones, The Who y los Yardbirds. A pesar de su condición de desconocidos fuera de Ealing, rápidamente se ganaron el reconocimiento del público por su vestimenta peculiar, con todos los miembros vestidos con camisas de rugby combinadas con pantalones chillones y botas militares, todos los miembros de The Eyes iban con su ropa toscamente cosida a mano y cubiertos por unas parkas de color rosa con emblemas de scooters en la espalda. Pero si parecían geeks inofensivos y de pelo desaliñado, sin embargo en escena se tranformaban e imbuían al ambiente musical en una especie de mezcla anárquica de distorsión, reverberaciones, efectos de sonido y crudeza conocidos por “Expressive Sounds Production” (ESP).

En Londres, se pusieron de moda grupos como Screaming Lord Sutch y The Pretty Things, pero ellos realmente se hicieron con una reputación por su estilo distintivo en el Tiles Club, ubicado en Oxford. Una noche, un amigo de la banda trajo un representante de Philips y éste les firmó a modo de prueba con una filial de la compañía denominada Mercury, la cual habían adquirido unos años antes. En los Rayrick Sound Studios de Chalk Farm grabaron un conjunto de demos de cuatro pistas, incluyendo una portada de “Shakin ‘All Over” de Johnny Kid & the Pirates más tres composiciones originales tituladas “When the Night Falls”, “The Immediate Pleasure” y “I Rowed Out”.

“Whe the Night Falls”/”I’m Rowed Out”, supuso su primer single, fue lanzado en 1965. La cara A es una melodía increíblemente pegadiza, la canción finaliza con un proto-shoegazer (un cuarto de siglo adelantado a su tiempo). “I’m Rowed Out” es la quintaesencia del movimiento mod, ritmo “volado” en una base soul, fue producido por Shel Talmy y alabado por el influyente DJ Fluff Freeman, pero la canción fue un éxito menor dentro de la escena mod. En este momento comenzaron a orientarse hacia The Kinks y otras bandas mods como The Move y The Action, la banda que hasta ahora era semi-profesional va a dejar sus trabajos diarios como electricistas, funcionarios y empleados en firmas publicitarias y plantas de embalaje para dedicarse a tiempo completo a su música.

En enero de 1966, cuando Philips pegó carteles proclamando “The Eyes están destrozados” en paradas de autobús, en estaciones de tren y de metro, se convirtieron en la primera banda que se anunció en esos lugares. La única promoción la realizaron al single “The Inmediate Pleasure”/”My Degeneration” cuya cara B era simultáneamente un tributo y una sátira a los Who. Las abundantes y obvias referencias sexuales sin duda lo ayudaron a convertirse en un éxito de culto para sus fans, aunque sus referencias despectivas hacia los “salones de té”, se encontraron con amenazas de acciones legales por la Junta de de Comerciantes de Té y Café. La cara A es una pieza de voces relajadas con un beat de fondo alegre que fue inexplicablemente prohibido de la BBC. Dada la oportunidad de hacer una audición para el programa “The Light” de la emisora, realizaron un nuevo número, “I Can Not Get No Resurrection” delante de un crucifijo, que concluyó con la prohibición absoluta en la BBC. Por otra parte, este hecho les otorgó notoriedad y les ayudó a convertirse en un elemento básico en la estación pirata de las afueras Radio London.

The Eyes – Cinco Direcciones

Sin embargo, debido a las bajas ventas la banda decidió que tenía que probar otro enfoque, y entrar en los sosos y repititivos “retratos” de bandas posando rígidamente y que sólo redundaba en una clara falta de inspiración. La banda no parecía contenta pero sí dispuesta. “Man with Money” fue lanzado en mayo y no resultó nada original, seguía el estilo de grupos mod como Wild Uncertainty y The Who, dando a los fans pocas razones para comprar más discos. Prosiguieron con “Good Day Sunshine”  que aunque fue lanzado semanas antes del “Revolver” de The Beatles, era la cuarta versión grabada en llegar al mercado y ya no captaba especialmente la atención. Las caras B eran mejores con un grandioso merseybeat en “Please Don’t Cry” compuesto por Terry Nolder y el rock espacial de “You’re Too Much”, ambas muy superiores a las caras A. Aunque “Good Day Sunshine” demostró ser el mayor éxito de The Eyes, inicialmente vendió unas modestas 11.000 copias, el destino estaba sellado. Cuando el lanzamiento del mini LP de The Eyes (editado con los singles anteriores) fue lanzado a finales de 1966, vendió tan mal que irónicamente con el tiempo se ha vuelto altamente cotizado por los coleccionistas, sobre todo debido a su extrema rareza. La banda anunció, semanas después de su lanzamiento, que se separaban.

En primer lugar, Phil Healey renunció y fue reemplazado por Steve Valentine, un guitarrista de Heston. Philips ofreció a la banda 180 libras para grabar un álbum de versiones. En extrema necesidad de dinero fácil, la banda visualmente se disfrazaba con otro nombre, The Pupils  y comenzó el álbum que grabaron en tan sólo unas horas. Versiones ejecutadas con ira e irreverencia funcionaban de modo sorprendente; las versiones eran crudas y agresivas y en conjunto resultaban iguales o mejores incluso que las originales, las cuales comparativamente suenan demasiado encorsetadas. En un momento, incluso se pueden oír las baquetas de la batería que son arrojadas con violencia por la habitación. No obstante, el tributo de The Pupils a los Rolling Stones (1966) no logró llamar la atención de los aficionados y apenas vendieron discos.

The Eyes – Banda Innovadora

Después de que la banda se disolviera, Terry Nolder anunció que iba a formar una banda llamada Tonic Water. En cambio, pasó un breve período con una banda llamada Andromeda antes de formar The Entire Sioux Nation con el futuro guitarrista de Pink Fairies/Motörhead, Larry Wallis. El resto de la banda, entonces todavía en sus 20 años de edad, anunció su intención de volver a sus trabajos o buscar trabajo como músicos de sesión. En la década de 1980, el sello discográfico Bam Caruso descubrió en The Eyes una banda que englobaba perfectamente todo lo que se trataba de freakbeat y lanzaron las compilaciones “Blink” (1984) y “Scene but Not Herd” (1987). No obstante, no fue hasta 2006 con Acme y “The Arrival of The Eyes” cuando fueron compilados todos los singles de la banda, el álbum de versiones de los Stones (lanzado con el pseudónimo de The Pupils”), demos alternativas y una promo grabada en la radio, por lo que es la colección definitiva para todos los fans de The Eyes.

The Eyes no fueron tan memorables como The Who y no alcanzaron su éxito comercial. Después de un cuarto single más suave y el mencionado álbum mal concebido de versiones de The Rolling Stones (registrado bajo el nombre de The Pupils y titulado “A Tribute To The Rolling Stones”), el grupo llegó a su fin.

Letra de My Degeneration (Terry Nolder)

Each time I ask you you tell me no
That’s my degeneration
Each night you say you won’t come in my flat
It’s getting with
The only thing I’m offering you
Is a cup of coffee or two

Your world is with nearly there

That’s my degeneration

When I put the key in the lock yeah

I need cooperation

Why do you run when I open the door?

You’ve never had my coffee before

You will never come along
That’s my degeneration

Do you think that I’m wrong?
But try a friendly persuasion

Said the only thing I’m offering you
Yeah is a cup of coffee or two

One lump
Two lumps

Three lumps
Oh they?

Oh my coffee tonight
Will be hot and strong
But if you turn

Take a long
Is there something about me
Makes you want to join the tea?

Yeah
My
My de-
My
De- degeneration
My my
De-
My de-
-Generation
Oh
My
My de-
De-
Degeneration
Yeah
My de- de-
Degener-
Ation
Yeah
No
My
De-
Degeneration

The Eyes

MIEMBROS DE THE EYES:

Barry Allchin (bajo)
Brian Corcoran (batería)
Phil Heatley (guitarra rítmica)
Chris Lovegrove (guitarra solista)
Terry Nolder (voz)

DISCOGRAFÍA:

THE EYES

Singles

“When The Night Falls”/”I’m Rowed Out” (1965)
“The Immediate Pleasure”/”My Degeneration (1965)

Mini LP’s

The Arrival of the Eyes (When The Night Falls”/”I’m Rowed Out”/”The Immediate Pleasure”/”My Degeneration”) (1966)

Compilaciones

Blink (1984)
The Arrival of the Eyes (2006)

Singles and EP’s

Scene But Not Heard (1987)

Canciones

I’m Rowed Out (Terry Nolder / Barry Allchin)
The Immediate Pleasure (Terry Nolder)
Man With Money (Phil Everly)
My Degeneration (Terry Nolder)
Good Day Sunshine (Paul McCartney / John Lennon)
I Wanna Be Your Man (Paul McCartney / John Lennon)
If You Need Me
Not Fade Away (Norman Petty / Buddy Holly)
Please Don’t Cry (Terry Nolder)
Radio London
Radio London Jingle (The Eyes)
Route 66 (Bobby Troup)
Shakin’ All Over (Frederick Heath)
When the Night Falls (Terry Nolder)
You’re Too Much
It’s All Over Now (Bobby Womack)
Little Red Rooster (Willie Dixon)
(I Can’t Get No) Satisfaction (Keith Richards / Mick Jagger)
19th Nervous Breakdown (Keith Richards / Mick Jagger)
As Tears Go By (Andrew Loog Oldham / Keith Richards / Mick Jagger)
Get off My Cloud (Keith Richards / Mick Jagger)
The Last Time (Keith Richards / Mick Jagger)
Play with Fire (Bill Wyman / Brian Jones / Keith Richards / Charlie Watts / Mick Jagger)

The Animals con Ed Sullivan

El grupo nació en Newcastle Upon Tyne en torno a las figuras del teclista Alan Price (1942, Condado de Durham, Reino Unido) y el cantante Eric Burdon (1941, Newcastle Upon Tyne, Reino Unido). Estos formaron en 1962 Dell’Alan Prize R&B Combo, un grupo que reunía al bajista Bryan “Chas” Chandler (1938, Newcastle Upon Tyne, Reino Unido), al batería John Steel (1941, Gateshead, Gran Bretaña) y al guitarrista Hilton Valentine (1943, North Shields, Reino Unido). Cambiaron su nombre por el de The Animals, descripción efectiva de sus “juerguistas” noches de ensayo.Gracias a una llamada de Graham Bond, el cazatalentos Giorgio Gomelsky trae el famoso músico de blues Sonny Boy Williamson a Newcastle, grabando rhythm & blues con estos jóvenes entusiastas. El resultado de la reunión se documenta en dos discos The Animals live at The Club A Go Go y The Animals With Sonny Boy Williamson, el debut del quinteto londinense tiene lugar en Crawdaddy Club de Gomelsky, pero es el productor Mickie Most quien finalmente les propone un contrato firma a la banda.

The Animals con Hilton

En 1964, editan el primer sencillo “Baby Let Me Take You Home” (el debut discográfico de la formación) que posee una original mezcla de rhythm & blues, beat y folk. Siguiendo el ejemplo del mismo álbum de Josh White que aparece como la fuente original de inspiración para la primera canción, una versión memorable de una más tradicional “The House Of The Rising Sun”, que en el verano (justo antes de salir para la primera gira por EE.UU.) arrasa en todo el mundo.

A finales del mes de julio, el grupo graba doce temas, entre los que se encuentran “Boom Boom” y “Dimples” (heredado de las primeras sesiones en febrero) para completar, el álbum debut que en noviembre llega a los más altos puestos de las listas de ventas y confirma su gran devoción por los padres de la música negra como John Lee Hooker y el rock & roll (“Around and Around” de Chuck Berry y “I’ve Been Around” de Fats Domino). El mismo día, a finales de julio graban dos canciones de Price y Burdon, “I’m Crying” y “Take It Easy”, que sirven para su tercer single, seguido en enero de 1965 por un nuevo éxito sensacional: “Don ‘t Let Me Be Misunderstood”, inspirado en la versión de Nina Simone. En un momento de gran favor a este redescubrimiento de la música negra, The Animals versionan otro clásico editado en marzo 1965: “Bring It On Home” de Sam Cooke”.

Eric Burdon con B.B. King

En las sesiones dedicadas a estos dos sencillos, el grupo también se ocupa de completar el material suficiente para su segundo álbum, el cual irrumpe en el mercado en mayo de 1965. Además de ser el último álbum con el grupo de Price, reemplazado por Dave Rowberry (1943, Newcastle Upon Tyne, Reino Unido), es la confirmación de la elección del sonido para revivir clásicos como “Roadrunner”, “I Aint Got You ” y las hermosas “Aleluya “, ” I Love Her So”y “I Believe To My Soul” de Ray Charles.

El nuevo single “W’ve Gotta Get Out Of This Place” marca otro hito en la música de la época, llegando a los primeros lugares de las listas de éxitos, haciéndose muy popular entre los soldados americanos en la Guerra del Vietnam.

Tras el single “It’s My Life” (la última colaboración con el productor Mickie Most) y la marcha de John Steel en favor de Barry Jenkins (1944, Leicester, Reino Unido), la formación abre 1966 con la notable single “Inside Looking Out”, seguido un mes más tarde por “Don’t Bring Me Down” y luego el tercer y maravilloso álbum Animalisms (en los Estados Unidos se publica en septiembre de 1966 como Animalization y con diferentes pistas que el título británico).

En este momento Burdon dejó la banda, pero en septiembre se publica otro single “See See Rider” acreditado a The New Animals (pero en realidad grabado por Burdon solamente). Se trata de un cambio hacia el emergente movimiento psicodélico, por lo que en California han nacido, en torno al cantante y Jenkins, The New Animals: el guitarrista Johnny Weider (1947, Shepherds Bush, Gran Bretaña), el bajista Danny McCulloch (1945, Londres) y el guitarrista Vic Briggs (1945, Twickenham, Reino Unido) completan el quinteto.

Eric Burdon con The Animals

El primer fruto de la nueva etapa es incierto, Eric Is Here editado en la primavera de 1967 (grabado antes de la formación de The New Animals) realizado por fases y con agobiantes orquestaciones, voluminosas y decididamente fuera de lugar.

Le sigue Winds Of Change (publicado unos meses más tarde) para presentar de verdad a Eric Burdon & The New Animals, con un sonido más acorde con ese año excepcional en el que el cantante también participa en el Festival Pop de Monterrey. El disco contiene “San Franciscan Nights” (uno de los himnos de la generación hippie), “Paint It Black” y “Yes I’m experiencied” (la respuesta a Hendrix por su “Are You Experienced?”).

En 1968, impulsado por el buen comportamiento en Monterrey y por el himno pacifista “Sky Pilot”, el álbum The Twain Shall Meet y Every One of Us (con la adición del tecladista Zoot Money) confirma a un cambiado Eric Burdon comparado con el de sus comienzos (“Nueva York 1963-América 1968”. Desalentado por el poco éxito en su patria, cuando los dos últimos álbumes se publican ya ha disuelto The New Animals para a continuación iniciar una interesante carrera en solitario.

Eric Burdon leyendo y posando

En 1977 Before We Were So Rudely Interrupted testifica la reconstitución del quinteto original, presentando composiciones sorprendentementes frescas, valientes y muy bien interpretadas. Pero es sólo un bonito incidente aislado, como lo confirma la decepcionante The Ark (1983) y el patético álbum en vivo Rip It To Shreds: Their Greatest Hits Live (1984).

DISCOGRAFÍA:

Álbumes

THE ANIMALS

Animals (1964)

The Animals on Tour (1965)

Animal Tracks (1965)

Animalisms (1966)

Animalism (US – 1966)

In The Beginning (1972)

Best (1973)

Before We Were So Rudely Interrupted (1976)

Ark (1983)

Rip It To Shreds: Their Greatest Hits Live (1984)

ERIC BURDON

Winds Of Change (1967)

Eric is Here (US – 1967)

The Twain Shall Meet (1968)

Everyone Of Us (1968)

Love Is (1969)

Eric Burdon Declares War (1970)

The Black Man’s Burdon (1970)

Singles

1964

“Baby Let Me Take You Home” – Cara b: “Gonna Send You Back to Walker”

“The House of the Rising Sun” – Cara b: “Talkin’ ‘Bout You”

“Gonna Send You Back to Walker” – Cara b: “Baby Let Me Take You Home” (Cara A)

“I’m Crying” – Cara b: “Take It Easy”

1965

“Boom Boom” – Cara b: “Blue Feeling”

“Don’t Let Me Be Misunderstood” – Cara b: “Club A-GoGo”

“Bring It On Home to Me” – Cara b: “For Miss Caulker”

“We Gotta Get out of This Place” – Cara b: “I Can’t Believe It”

“It’s My Life” – Cara b: “I’m Going to Change the World”

1966

“Inside-Looking Out” – Cara b: “You’re on My Mind”

“Don’t Bring Me Down” – Cara b: “Cheating”

“See See Rider” – Cara b: “She’ll Return It”

“Help Me Girl” – Cara b: “That Ain’t Where It’s At”

1967

“When I Was Young” – Cara b: “A Girl Named Sandoz”

“San Franciscan Nights” – Cara b: “Good Times”

“Good Times” – Cara b: “San Franciscan Nights” (Cara A)

“Monterey” – Cara b: “Ain’t It So”

“Anything” – Cara b: “It’s All Meat”

1968

“Sky Pilot” – Cara b: “Sky Pilot (Part Two)”

“White Houses” – Cara b: “River Deep – Mountain High”

1969

“Ring of Fire” – Cara b: “I’m An Animal”

1972

“The House of the Rising Sun” – Cara b: “Bring It On Home to Me”

1982

“The House of the Rising Sun”

1983

“The Night” – Cara b: “No John No”

“Love Is for All Time” – Cara b: “It’s Too Late”

Extended Plays

1964

The Animals Is Here (EP editado de debut, pero no el primero grabado)

The Animals

1965

The Animals No. 2

Animal Tracks

In the Beginning There Was Early Animals (Primer EP grabado, pero el último editado. Es también su primer disco, grabado en 1963).

The Kinks, The Who, Pretty Things, Small Faces son los nombres capaces de comandar la atención de una franja cada vez mayor de la opinión pública que ya no está satisfecha con los sonidos limpios y los ritmos lineales.

Superkinks

Con los Rolling Stones y The Animals esta tendencia se radicaliza, las raíces del rock and roll y el rhythm and blues se internalizan y expulsados en forma de síntesis pobre, esquelético y original, de la que surgirán ahora aventuras impredecibles y emocionantes.

The Kinks nacieron a finales de 1963 a iniciativa de los hermanos Ray y Dave Davies, que se unen el bajista Peter Quaife, y pronto los tres estarán unidos por el baterista Mick Avory, el grupo atrae la atención del productor estadounidense Shel Talmy, muy conocido en su momento y que también trabajará con The Who y The Creation.

Los dos primeros singles, a principios de 1964, no tuvieron éxito en lo que respecta a las ventas, pero en agosto de ese año, “You Really Got Me” (con la presencia de Jimmy Page en la guitarra) proyecta al grupo directo al nº 1 en el Reino Unido y los EE.UU.: explosiones de sonido de la nada con un duro riff de guitarra, que se repite a la perfección en un in crescendo muy adictivo; la canción es considerada por muchos como la primera verdadera expresión de “rock duro”.

En octubre, simultáneamente con la publicación del primer LP de The Kinks (Pye NPL, 1964) con la participación de Jimmy Page, Jon Lord y Nicky Hopkins como músicos de sesión, el single “All Day And All Of The Night” consolida las ventas y la fórmula del particular estilo, que muestra una especial atención adicional a la puesta en escena.

Desde el principio, había un claro liderazgo de Ray Davies, quien componía todo el material y representaba la imagen pública del grupo, ello pese a que inicialmente la compañía de discos intentó destacar a Dave Davies como icono al resultarle más atractivo físicamente a las fans.

Con “Tired Of Waiting For You” consiguen un nuevo nº 1, en enero de 1965, renunciando deliberadamente a un sonido seco y sin florituras, favoreciendo al aspecto decididamente melódico de la música de los Kinks, y así lo es para otros singles de éxito entre los que cabe destacar “See My Friends” (julio de 1965), una bella composición que intenta un tímido acercamiento a la psicodelia más suave.

En el laberinto de publicaciones de 1965 (EPs, álbumes de compilaciones británicas originales únicas para el mercado americano), se da soporte también al segundo álbum, Kinda Kinks (Pye NPL, marzo de 1965) y al tercero Kinks Kontroversy (Pye NPL, noviembre 1965), que también contiene las canciones en 45s “Till The End Of The Day” / “Where Have All The Good Times Gone?”, que marca el regreso a los orígenes del rock, en particular, convence la cara b: una canción con un cuerpo de atractivas líneas de música melódica que influirá a algunos “glam” de los años setenta (David Bowie).

Destaca así como Ep Kwyet Kinks (Pye NEP, septiembre de 1965), que contiene la canción “A Well Respected Man” una balada que completa el repertorio del grupo tocando temas con tintes de clichés irónicos y crítica de la sociedad inglesa. Aquí se forma una estructura estable en la banda que perdurará hasta finales de la década y que conformarán la base de las producciones futuras de Ray Davies.

En sus directos, The Kinks se construyen una reputación no muy tranquilizadora, dando lugar a actuaciones enardecedoras que a veces conllevaban auténticas batallas campales, al igual que en el concierto en el jardín de Tivoli en Copenhague. Hacia finales de 1965, Davies y sus colegas llevaron a cabo dos visitas a los Estados Unidos y durante la grabación de un programa de televisión se provoca una pelea, y son prohibidos en los Estados Unidos por un período de cuatro años. El episodio complica mucho las estrategias comerciales del grupo, que en cualquier caso, siguen impertérritos sacando nuevos y exitosos sencillos de excelente calidad.

En lo que a los 45s se refiere en 1966 convencieron canciones atípicas como “Dedicated Follower Of Fashion” (febrero), el blues decadente de “Sunny Afternoon” (junio), el cual apunta una vez más a la burguesía acomodada, y “Dead End Street” (noviembre), sin olvidar el soberbio álbum Face To Face (Pye NPL / NSPL, octubre de 1966), que contiene retazos de sátira aguda, como en “A Well Respected Man” y el pegadizo estilo folkie de “Dedicated Follower Of Fashion”.

Los tiempos de madurez artística de Ray Davies y sus compañeros se materializan en 1967, con la composición de dos 45s de una calidad considerable. En mayo, lanzaron “Waterloo Sunset” (nº 2 en el Reino Unido), una canción melódica hermosa, con armonías vocales semejantes a los Beatles, que sueña con puestas de sol en el éxtasis en julio, la vuelta a la balada en “Death Of A Clown” (Nº 3 en el Reino Unido), publicada a nombre de Dave Davies (para iniciar una carrera en solitario de su hermano), pero compuesto por Ray (con la participación de Dave) e interpretada por The Kinks.

En conclusión: la confirmación de la canción estilo The Kinks evolucionando y cada vez más y más distante de los matices duros del rock and roll, con Ray Davies inclinándose hacia creaciones armónicas y melódicas de gran hondura, ricas en conexiones emocionales, a menudo cargadas de ironía y acompañadas por textos polémicos.

El álbum Something Else By The Kinks (Pye NPL / NSPL, octubre de 1967) incluye las características mencionadas anteriormente, además de la aparición del piano en “Autumn Almanac”, y resume su orientación musical, dando una gran demostración de equilibrio y elegancia de estilo. El disco es también la última producción de Shel Talmy en lo que respecta a su unión profesional con los Kinks.

Las metas del grupo (en particular, de Ray Davies) se orientan hacia proyectos con insistencia en el concepto, como en el caso de los “Four More Respected Gentlemen”, un trabajo no completado, pero que ofrece varias sugerencias para su próximo álbum, The Kinks Are The Village Green Preservation Society. Precedido en junio del 68 del maravilloso single “Days”, una composición de exquisito molde melódico que no fue incluido en el disco, The Village Green Preservación Sociedad Lp es el primer temático de los Kinks y una de sus obras maestras. El sonido adquiere un carácter “luminoso” extremadamente agradable, casi totalmente desprovisto de la electrónica en la instrumentación, y que se caracteriza por el uso de unas bellas armonías vocales y procesamiento considerablemente melódicos sin nunca caer en lo empalagoso.

Inevitablemente ejercerán enormes influencias sobre los músicos que partían del evolucionado pop de los Beatles, aunque los Kinks, a su vez se convierten en maestros autorizados con estilo propio. De particular interés son el original ritmo en “Do You Remember Walter”, con una buena variedad de estilos, “Picture Book”, del que sacará provecho Marc Bolan para desarrollar su rock’n’roll duro de los años setenta, la balada irresistible de “Johnny Thunder”, los azules que recuerdan a “The Last Of The Steam Powered Trains”, la excelente disposición y la intrigante melodía de “Big Sky”, la configuración de la neoclásica “Village Green” y el maravilloso “Animal Farm”, que mezcla cadencias fabulosamente vagas con un toque fascinante, melódico y orquestal.

Los LPs ahora, sin embargo, parecen tener dificultades en confirmar el éxito, porque la casa discográfica Pye sigue considerando al grupo The Kinks esencialmente de 45 rpm y está ansiosa por distribuir el álbum correctamente.

A finales de 1968 Davies comenzó a trabajar en una ópera producida por Granada TV sobre el tema de la caída del Imperio Británico. El mismo emisor se niega entonces las composiciones de Davies, que decide utilizar el material para la producción del nuevo álbum de The Kinks. El álbum es una “ópera rock”, y en octubre de 1969 (con el nuevo bajista John Dalton, ex Mark Four, en lugar de Peter Quaife) Arthur (Or The Decline And Fall Of The British Empire) aparece después de la publicación de “SF Sorrow” de los Pretty Things y de “Tommy” de The Who, aunque sin poseer el coraje ni la fuerza de sus inicios, sin embargo, lo que sí confirma es la innegable capacidad de escribir buenas canciones impregnadas de Ray Davies y su amarga ironía.

Arthur es un enfoque directo y simple, a medida de Ray Davies (autor de todas las composiciones), y las soluciones experimentales que ofrecen bellas canciones cargadas de ironía amarga y maduro estilismo. El divertido corte, burlándose de la nostalgia de “Victoria”, en contraste con el tema de dureza marcial de “Yes Sir, No Sir”, con la triste elegía de “Some Mother’s Son” y el explícito y marcado ritmo de “Brainwashed” (“Se ve como un ser humano real, pero usted no tiene cabeza propia. Sí, usted puede hablar, respirar, trabajar, coser, pero le han lavado el cerebro … te dan la seguridad social, el interés no va acorde al crecimiento de los impuestos a través de los años. Sí, estás condicionado a ser lo que quieren que seas y hacer lo que quieren que hagas. ¡Qué vergüenza!”). “Australia” de nuevo con la mordaz ironía y resultando con unos arreglos magistrales que se inspiró en el rock and roll, el romanticismo, el ritmo orquestal clásico y el blues, sublimándose todos ellos en un compendio brillante, donde resuenan ecos de guitarra alternados en jazz. En otros lugares el sonido lucha por salir debido también a una cierta timidez, aunque debemos recordar la agridulce “Shangri-la” y la seca “Mr. Churchill Says”.

Ray Davies sigue siendo el líder indiscutible , compositor, productor y la imagen de la banda, pero dentro del grupo sufre de fuertes oposiciones y contrastes que, en cualquier caso, no hace que exista un riesgo inmediato de ruptura. En 1969, los Kinks vuelven a los Estados Unidos después del largo y forzado “exilio” de las suculentas audiencias americanas, comenzando con un concierto en el Fillmore East de Nueva York. A pesar de la calidad de la música que ofrecen, las ventas del último Lp son decepcionantes e incluso el single “Victoria” no va más allá del no. 33 en Inglaterra.

Todo esto no desalienta a Davies que insiste en el camino del álbum temático, creando en 1970 la gran Lola Versus Powerman And The Moneygoround, Part One, un álbum que confirma el excelente momento creativo de Davies y sus compañeros, y al mismo tiempo logran un buen éxito en los EE.UU., impulsado por el éxito del single “Lola”, que en el verano de 1970 se incorporó al top ten Inglés y americano. La balada hermosa y apasionada “Lola” (un clásico de la época, gracias a la exitosa combinación de rock y melodía convincentes) es censurado, no tanto por el texto, que habla de una aventura sexual transexual, sino por el hecho de contener una alusión a Coca-Cola, elemento perturbador multinacional que muestra claramente su disconformidad. Todo el álbum tiene una gran cantidad de contenido polémico; Davies está en desacuerdo con el anterior productor del grupo, con la unión de músicos estadounidenses (quienes habían sido prohibidos), y con el negocio de la música en general. Estilísticamente, te darás cuenta de un regreso decidido a los orígenes con el rock sencillo y potente, impactante, como en “The Contenders” (rifts de guitarras, piano y armónica), “Rats” (verdadero rock and roll) “Powerman” (a medio camino entre los Beatles y los dientes de Spooky). El sarcástico “Top Of The Pops” utiliza un riff contundente que firmaría el mismísimo Wilson Pickett. Es obvio que también hay meritorias baladas, incluyendo el “Apeman”, “Strangers”, la alegre la lírica de “This Time Tomorrow”, la calma en “A Long Way From Home” y la amarga “Get Back In Line”. En el disco figura el teclista John Gosling, con el órgano y el piano, quien juega un papel no despreciable, y en mayo de 1971 Gosling se convierte en el quinto Kinks.

Lola Versus Powerman And The Moneygoround, Parte One, es un trabajo menos pretencioso que los anteriores, pero, tal vez, es el mejor del grupo por la elevada calidad media de las presentes composiciones, además de representar el último esfuerzo creativo de los Kinks, verdaderamente memorable. La entrada en los años setenta, de hecho, determina el fin de la mejor época del grupo.

En marzo de 1971 Percy (Pye NSPL) es el último LP grabado por Pye, un nuevo trabajo temático y banda sonora de la película del mismo nombre, pero la creatividad no es la habitual, falta energía, aunque vuelve a conseguir una atmósfera peculiar, algo que nunca han perdido los trabajos de los Kinks. Con el nuevo contrato con RCA Kinks permite un enfoque más agudo a las listas estadounidenses, pero sin revivir la creatividad y la gloria de la década anterior. Muswell Hillbillies (RCA, 1971) se centra en las melodías de “Alcohol”, “Holiday” y “20th Century Man”. Everybody’s in Show-Biz (1972) es un disco doble en el que brilla “Celluloid Heroes”. La triple Opera Rock Preservation (1973 – ’74) se hace cargo de las hazañas de Mr. Flash, el protagonista de Village Green y obtuvo unos pobres resultados en ventas. Sin embargo, cualquier hombre de la calle podría ser el protagonista en Soap Opera (1975). Schoolboys In Disgrace (1975) se conceptuó como opera rock y con una temática relativa a los años de colegio y juventud, es un álbum del todo infravalorado con una buena ambientación y plagada de pegadizas melodías (“Jack The Idiot Dunce”, “I’m In Disgrace”) o la vibrante “The Hard Way”).

Pero el grupo está ahora perdiendo el brillo de los años dorados, según lo confirman todos los discos posteriores de finales de los 70 por Sleepwalker (Arista, 1977), que cuenta sin embargo con el single “Juke Box Music” y el propio “Sleepwalker” que da título al Lp, con cierto éxito en los Estados Unidos, Misfits (Arista, 1978) y Low Budget (1979). La decadencia no se interrumpe ni siquiera con el primer disco de los años 80: Give The People What they Want (1982). Mejoran, en todo caso, con su siguiente disco State of Confusion (1983), que incluye los hits “Come Dancing” y “Don’t Forget To Dance” (materializado por Davies en dos interesantes videoclips) y Word Of Mouth (1984), que propone la conmovedora “Predictable”, sin embargo, los sucesivos Think Visual (MCA, 1987) y UK Jive (MCA, 1989) pasan desapercibidos.

Did Ya (1991) y Phobia (1993) será el único álbum hecho con el nombre de The Kinks en la década de los noventa, junto a To The Bone (1994), donde se recopilan los viejos clásicos como “Sunny Afternoon” y “You Really Got Me”.

Una larga y prolífica carrera que los sitúa en los altares del Pop Rock más atemporal e influyente.

DISCOGRAFÍA:

Álbumes de estudio

Año Título
1964 Kinks (lanzado en USA como You Really Got Me)
1965 Kinks-Size (sólo USA)
1965 Kinda Kinks
1965 Kinkdom (sólo USA)
1965 The Kink Kontroversy
1966 Face to Face
1967 Something Else by The Kinks
1968 The Kinks Are the Village Green Preservation Society
1969 Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire)
1970 Lola versus Powerman and the Moneygoround, Part One
1971 Muswell Hillbillies
1972 Everybody’s in Show-Biz
1973 Preservation Act 1
1974 Preservation Act 2
1975 Soap Opera
1976 Schoolboys in Disgrace
1977 Sleepwalker
1978 Misfits
1979 Low Budget
1981 Give the People What They Want
1983 State of Confusion
1984 Word of Mouth
1986 Think Visual
1989 UK Jive
1993 Phobia

Álbumes en vivo

The Kinks en directo (1967).
1968: Live at Kelvin Hall (lanzado en USA como The Live Kinks en 1967)
1971: Percy (banda sonora), No fue lanzado en los USA
1980: One for the Road
1986: Come Dancing with the Kinks
1988: Live: The Road
1994: To the Bone

Álbumes recopilatorios

Año Título y detalles
1966 Greatest Hits! (sólo USA)
1966 Well Respected Kinks
1967 Sunny Afternoon (sólo UK)
1970 The Hit Collection
1971 Golden Hour of the Kinks (sólo UK)
1972 The Kink Kronikles (sólo USA)
1973 The Great Lost Kinks Album
1974 Golden Hour of the Kinks Vol. 2 (sólo UK)
1974 Lola, Percy and the Apeman Come Face to Face with the Village Green Preservation Society
1976 The Kinks’ Greatest: Celluloid Heroes
1978 20 Golden Greats
1980 Second Time Around
1981 The Kinks Collection
1983 Candy from Mr. Dandy (sólo EUA)
1983 Dead End Street: Kinks Greatest Hits
1984 Kinks Kollectables
1984 The Kinks: A Compleat Collection 20th Anniversary Edition
1986 Come Dancing with The Kinks
1988 The Kinks Are Well Respected Men
1989 25 Years: The Ultimate Collection
1992 The Kinks Story Vol. 1: 1964-1966
1992 The Kinks Story Vol. 2: 1967-1971
1993 The Definitive Collection: The Kinks Greatest Hits
1994 You Really Got Me: The Very Best of The Kinks
1997 The Singles Collection
1998 God Save The Kinks, Vol. 1
1998 God Save The Kinks, Vol. 2
1998 God Save The Kinks, Vol. 3
2001 BBC Sessions: 1964-1977
2002 The Ultimate Collection
2007 The Ultimate Collection (re-lanzado en 2CD)
2008 Picture Book (6 CD, caja recopilatoria)
2012 The Kinks At The BBC (5 CD + DVD)

EP
1964: Kinksize Session
1965: Kinksize Hits
1965: Kwyet Kinks
1966: Dedicated Kinks
1968: The Kinks
1991: Did Ya

Sencillos

Año Título
Feb 1964 “Long Tall Sally”
Abr 1964 “You Still Want Me”
Ago 1964 “You Really Got Me”
Oct 1964 “All Day and All of the Night”
Ene 1965 “Tired of Waiting for You”
Mar 1965 “Ev’rybody’s Gonna Be Happy”
May 1965 “Set Me Free”
Jul 1965 “See My Friends”
Ago 1965 “Who’ll Be the Next in Line”
Oct 1965 “A Well Respected Man”
Nov 1965 “Till the End of the Day”
Feb 1966 “Dedicated Follower of Fashion”
Mar 1966 (Suecia) “Wonder Where My Baby Is Tonight?”
Jun 1966 “Sunny Afternoon”
Oct 1966 (Europa) “Dandy”
Nov 1966 “Dead End Street”
Abr 1967 (Europa) “Mister Pleasant”
May 1967 “Waterloo Sunset”
Jul 1967 “Death of a Clown”
Oct 1967 “Autumn Almanac”
Nov 1967 “Susannah’s Still Alive”
Abr 1968 “Wonderboy”
Jun 1968 “Days”
Ago 1968 “Lincoln County”
Ene 1969 (USA) “Starstruck”
Ene 1969 “Hold My Hand”
Mar 1969 “Plastic Man”
Jun 1969 “Drivin'”
Jul 1969 (USA) “The Village Green Preservation Society”
Sep 1969 “Shangri-La”
Dic 1969 “Victoria”
Jun 1970 “Lola”
Nov 1970 “Apeman”
Abr 1971 “God’s Children”
Dic 1971 (USA) “20th Century Man”
May 1972 “Supersonic Rocket Ship”
Nov 1972 “Celluloid Heroes”
Abr 1973 (USA) “One Of The Survivors”
Jun 1973 “Sitting In The Midday Sun”
Sep 1973 “Sweet Lady Genevieve”
Nov 1973 “Where Have All the Good Times Gone”
Abr 1974 (USA) “Money Talks”
Jul 1974 “Mirror of Love”
Oct 1974 “Holiday Romance”
Nov 1974 (USA) “Preservation”
Abr 1975 “Ducks On The Wall”
Abr 1975 (USA) “Starmaker”
May 1975 “You Can’t Stop The Music”
Ene 1976 (USA) “I’m In Disgrace”
Ene 1976 “No More Looking Back”
Mar 1977 “Sleepwalker”
Jun 1977 “Juke Box Music”
Nov 1977 “Father Christmas”
May 1978 “A Rock ‘N Roll Fantasy”
Jul 1978 “Live Life”
Sep 1978 “Black Messiah (álbum)”
Ene 1979 “(Wish I Could Fly Like) Superman”
Sep 1979 “Moving Pictures”
Ago 1979 (USA) “A Gallon Of Gas”
Sep 1979 (USA) “Catch Me Now I’m Falling”
Nov 1979 “Pressure”
Jul 1980 (USA) “Lola”
Oct 1980 (USA) “You Really Got Me (en directo)”
Jun 1981 “Better Things”
Sep 1981 (USA) “Destroyer”
Oct 1981 “Predictable”
Nov 1982 “Come Dancing”
Sep 1983 “Don’t Forget to Dance”
Ago 1984 “Good Day”
Mar 1985 (USA) “Summer’s Gone”
Abr 1985 “Do It Again”
Nov 1986 (USA) “Rock ‘n’ Roll Cities”
Dic 1986 “How Are You”
Abr 1987 “Lost and Found”
May 1988 “The Road”
Sep 1989 “Down all the Days”
Feb 1990 “How Do I Get Close”
1999 Did Ya EP
Jul 1993 “Scattered”
Nov 1993 “Only a Dream”
Ene 1997 The Days EP
Sep 2004 “You Really Got Me”
May 2007 “Waterloo Sunset”.

The Zombies al completo

Quizás los compositores más sofisticados y extravagantes de la era de Merseybeat fueron los Zombies, She’s not There (1964), con el falsete de la susurrante voz de Colin Blunstone y el celestial solo al órgano por Rod Argent (el compositor) quedó muy claro que se trataba de un grupo diferente de Merseybeat y de rhythm and blues, como se evidenciaba en el álbum Begin here (Decca, 1965).

Su álbum de 1968 “Odessey and Oracle”, está en el puesto 80 en la lista de la revista Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

El guitarrista Chris White y Argent continuaron escribiendo canciones, excéntrico, a menudo empapadas de soul y jazz. Su mencionada obra maestra, Odessey and Oracle (1968), salió a título póstumo, y sigue siendo el pináculo del pop barroco, junto con Pet Sounds de los Beach Boys, y uno de los primeros álbumes de utilizar el mellotron a gran escala. Entre las pistas hay maravillas para Care of Cell 44, Beechwood Park y Friends Of Mine. (El álbum salió con el título mal escrito ‘Odessey” por un simple error de uno de los empleados de la compañía de discos). El cuarteto grabó Zombie Heaven (Big Beat) en el que se recopilan todos los éxitos de la banda.

The Zombies

El grupo grabó varios álbumes en los años 70 y también alcanzó cierto éxito con Hold Your Head Up (1972). Posteriormente, White y Argent formaron luego con Russ Ballard, un grupo de rock progresivo. El grupo se disolvió, Rod Argent grabó varios discos en solitario de soberbia ejecución, incluyendo Red House (1988), que es mayormente instrumental. Colin Blunstone comenzó una carrera en solitario, pero mucho más mediocre.

En un reciente Top 100 álbumes británicos destacados por NME, “Odessey y Oracle” se colocó en el número 32, con el comentario adjunto: “… la psicodelia británica con una visión caleidoscópica que rivaliza incluso The Beatles”.

La “Garra” de los Zombies

Los Zombies son citados como influencias de muchos artistas importantes, como Courtney Love, Badly Drawn Boy, Paul Weller, Super Furry Animals, Magic Numbers, Billy Joel, y los Arctic Monkeys. Las canciones de los Zombies son frecuentemente versionadas en vivo por artistas tan variados como Beck y Belle & Sebastian, por no mencionar que aparecen en películas y programas de televisión (‘Dear Wendy’, ‘Awakenings’, ‘Kill Bill 2’ y ‘Los Simpson’, por nombrar sólo cuatro …), una evidencia más de que su música es realmente tan fresca y relevante hoy como lo fue siempre.

The Zombies

La banda se reunió de nuevo para una gira en mayo de 2011 para conmemorar el 50 aniversario de su debut en St Albans durante la Pascua de 1961. Sin duda, los Zombies estarán eternamente vivos.

Discografía

Álbumes de estudio
Begin Here (UK) (1965) / The Zombies (U.S.) (1965) US #39
Odessey and Oracle (1968) US #95
New World (1991)
As Far As I Can See… (2004)
Breathe Out, Breathe In (2011)

Live albums
Live at the BBC (2003)
Live at the Bloomsbury Theatre, London (2005) (also on DVD)
Odessey and Oracle: 40th Anniversary Live Concert (2008) (also on DVD)
Live In Concert At Metropolis Studios (2012)
Live in the UK (2013)

Recopilatorios
I Love You (1965) (released by Decca in Holland and Japan)
The World of the Zombies (1970)
The Beginning (1973) (Vol 9 of “The Beginning” series on Decca, a selection from “The Early Days” and The Zombies)
Time of the Zombies (1974) (Contains hit singles, “Odessey & Oracle” and tracks from their unreleased LP) #204 U.S.
The Zombies:The Collection (1988) Castle Communications
Zombie Heaven (1997) (4CD compilation with rarities and live recordings)
Absolutely the Best (1999)
Decca Stereo Anthology (2002)
The Singles: A’s and B’s (2005)
The Ultimate Zombies (2007)
Into the Afterlife (2007) (compilation of post Odessey and Oracle recordings)
Zombies & Beyond (2008) UK #43

Colaboraciones
Bunny Lake Is Missing – An Original Soundtrack Recording (1965) (contribuyen con canciones)

Singles
August 1964 “She’s Not There”/”You Make Me Feel Good” 12 (UK) 11 (AUS) 2 (CAN) 2 (US)
November 1964 “Leave Me Be”/”Woman” (UK/Australia/CAN only single) — 81 – NR
December 1964 “Tell Her No”/”What More Can I Do?” (“Leave Me Be” in U.S.) 42 60 6 6
March 1965 “She’s Coming Home”/”I Must Move” — — 21 58
June 1965 “I Want You Back Again”/”Remember When I Loved Her” (US/CAN only single) NR NR — 95
August 1965 “Whenever You’re Ready”/”I Love You” — — — 110
September 1965 “Just Out of Reach”/”Remember You” — — — 113
February 1966 “Is This the Dream?”/”Don’t Go Away” — — — —
June 1966 “Indication”/”How We Were Before” — — — —
September 1966 “Gotta Get a Hold of Myself”/”The Way I Feel Inside” (UK only single) — NR NR NR
March 1967 “Goin’ Out of My Head”/”She Does Everything for Me” (UK only single) — NR NR NR
October 1967 “Friends Of Mine”/”Beechwood Park” (UK only single) — NR NR NR
November 1967 “Care of Cell 44″/”Maybe After He’s Gone” — — — —
April 1968 “Time of the Season”/”I’ll Call You Mine” — NR NR —
June 1968 “I Love You”/”The Way I Feel Inside” (UK only single) — NR NR NR
July 1968 “Butcher’s Tale (Western Front 1914)”/”This Will Be Our Year” (US/Can only single) NR NR — —
March 1969 “Time of the Season”/”Friends of Mine”(US only single) — 43 1 3
May 1969 “Imagine the Swan”/”Conversation Off Floral Street”(US only single) NR NR 59 109
July 1969 “If It Don’t Work Out”/”Don’t Cry For Me” (US only single) NR NR — —

Blondie

Una exuberante puesta en escena, que giró en torno a la mítica Cbgb’s y eso es como poner juntos a nombres como Talking Heads, Television, los Ramones y Patti Smith. En comparación con sus compañeros de aventura, sin embargo, Blondie revela una propensión peculiar a la mezcolanza entre el rock desesperanzado y las modernas tendencias urbanas de la música negra. Tal vez inconscientemente, por lo tanto, dio a luz a un género de entre los más afortunados de los 70: “disco-punk” que proyectará su alargada sombra incluso la siguiente década, influenciando a toda una generación de grupos de synth-pop, tecno y demás.

Bella, desgarrada, moderna, Blondie es esencialmente sinónimo de su rubia cantante Debbie Harry, uno de los más poderosos iconos femeninos de los años setenta, y, con toda probabilidad, la cantante de rock más guapa que haya habido. Sin embargo, el comienzo de la carrera de Deborah Harry ciertamente no parecía tan deslumbrante. Recién aterrizada de una carrera mediocre como cantante de rock a finales de los años 60 (que es la voz de Wind in the Willows y luego de First Crow On The Moon, grupo telonero de Velvet Underground durante una actuación en Nueva York), trabajó primero como dependienta en una tienda, y luego como manicurista antes de que la revista Playboy pusiera sus ojos en ella y su cuerpo sexy. Incluso de conejito, sin embargo, la rubia platino Debbie no había sido capaz de ir más allá de un trabajo como camarera en Max. Sin embargo, pese a tribular entre las mesas del restaurante, se las arregló para obtener los conocimientos adecuados y realizar su sueño: Triunfar en el mundo del Rock.

En 1973, Debbie Harry hizo su debut en un grupo liderado por Fred Smith y Chris Stein. Este último, también su compañero en la vida civil, en 1975, se monta una banda específicamente para ella, Blondie, en la que se une más tarde también el baterista Clemente Burke, el bajista Gary Valentine y el decisivo y fundamental teclista James Destri. A pesar de que ella es la rubia cantante y lidera el grupo, el nombre Blondie tiene otro origen: deriva de la tira cómica: “Blondie y Dagoberto”.

Blondie

Gracias a la sensualidad de esta “punk Marilyn Monroe”  y la inmediatez de su sonido, los Blondie se abren camino en la escena underground de Nueva York. Pero para hacerse un nombre comienza a crearse también su música. El primer single (“X Offender” y el lento “In The Flesh”) dan una primera idea de lo que será la receta para el álbum de debut de Blondie, bajo la bandera de un punk-pop original, lo que sería combinar al Moroder música disco con el punk rudo de los Ramones, la atmósfera de las obras musicales de Broadway y la rugosidad del garage-rock. Entre las canciones, además de los dos singles mencionados, también destaca “Rip her to Shreds”, casi un manifiesto de este nuevo estilo.

Después de Plastic Letters (1977), el single “Denis” (que alcanzó el número 2 en las listas del Reino Unido), “Kidnapper” y “Presence Dear”, Blondie retorno al éxito al año siguiente gracias a Parallel Lines, producido por Mike Chapman obtuvo su hit más popular de modo inmediato con “Heart Of Glass” (música disco de alto nivel combinada con las voces sensuales de Harry y exuberantes teclados proto-synth-pop). Pero canciones como “Hanging On The Telephone” y “Sunday Girl” mantienen en la cima de la popularidad a la “vampiresa” vocalista. El mismo año se añade a la formación el bajista Nigel Harrison y Frank Infante se convirtió en el segundo guitarrista.

Blondie

La leyenda dice que Patti Smith estaba celosa de Debbie Harry, capaz de conquistar la escena con sus miradas efectistas y sus caricias sensuales. Cantando con trajes rotos y zapatos de tacón alto, la ex conejito consigue crear un “vamp” personaje con la cantidad justa de ironía. Blondie también aparece en el documental de la película “Blank Generation”, la realización de “He left me”, y sonando sin cesar en las cadenas de televisión europeas, y de gira como telonera de Iggy Pop en América. Su carrera marcha ahora rodada y los dos hit de 1979, “Dreaming” y “Atomic” – ejemplos brillantes del “cortar y pegar” en el estudio, los ecos celestiales de voces de hadas, vestidos psicodélicos y arreglos burlonamente retro arrasan en las listas de éxitos. Las dos canciones conducen al éxito del álbum Eat To The Beat (1979), en la que, sin embargo, la receta de la banda comienza a mostrar agotamiento, como lo confirma el posterior Autoamerican (con “Rapture”).

Logra un doble disco de platino, antes de la inevitable puesta del sol, Blondie todavía se las arregla para tallar una joya de disco-punk como “Call Me”, creando un convincente ambiente de baile. La canción, compuesta junto al padre de la música disco, Giorgio Moroder, culminará en la película “American Gigolo” (con Richard Gere). A partir de entonces su figura declina. Debbie Harry grabó el álbum en solitario Koo Koo del todo irrelevante, mientras que con Hunter (1982) termina tristemente la épica Blondie.

Después del infarto de su marido Chris Stein, Debbie Harry se retira por un tiempo de la escena para embarcarse en una incierta carrera de estrella de películas de serie B. A su regreso, tristemente lastrado físicamente por el paso de los años, con álbumes mediocres como Rockbird 1986 (destaca el lánguido “Free To Fall”), Def Dumb & Blonde (1989), con el single “I Want That Man”, y Debravation (1993 ), que no hacen sino aumentar la sensación de que la frescura de Blondie se ha perdido.

Desafortunadamente, el síndrome de la “reunión” también les afecta, y en el 98, por lo que, nos encontramos con Blondie en la gira, por celebrar su regreso, seguido de un álbum, No Exit, publicado en 1999 y rápidamente olvidado por todos, a excepción del single “Maria”.

Aunque gran parte de su música en última instancia, no es más que pop bien pulido, Blondie tiene el mérito de haber lanzado un puente entre la exuberancia de la música negra y la vehemencia del punk, el funk y la sensualidad de humor fatal y la distancia con la new wave.

Después de ellos, la música disco nunca será lo mismo, pero también en el rock es fácil de imitar a sus rivales de modo más o menos confeso, Garbage de Shirley Manson y los neoyorquinos The Strokes.

Blondie

Desde 1976, se han vendido 40 millones de álbumes. A tener en cuenta, por último, que Chrysalis ha reeditado la primera media docena de álbumes del grupo, enriquecido por un puñado de temas inéditos (entre los cuales hay una versión en directo del bowiano “Héroes”), y que la vida de Debbie Harry ha terminado en la gran pantalla en Hollywood, con Drew Barrymore encarnando a la “niña maldita”.

Álbumes de Estudio
Blondie (1976).
Plastic Letters (1977).
Parallel Lines (1978).
Eat to the Beat (1979).
Autoamerican (1980).
The Hunter (1982).
No Exit (1999).
The Curse of Blondie (2003).
Panic Of Girls (2011).
Ghosts Of Download (2013).

The Clash en formación de combate

The Clash fue una de las banda británicas de rock más innovadoras, una mezcla entre el punk y la new wave. Esta es la historia de la revolución musical de Joe Strummer y sus compañeros:

Grupo de importancia primordial, dentro de la renovación del panorama musical en la Inglaterra de finales de los 70, con Joe Strummer (nombre artístico de John Graham Mellor, 1952 Ankara, Turquía) quien era el hijo de un diplomático británico y líder de los 101ers, Michael “Mick” Jones (1955, Londres, Reino Unido), Paul Simonon (1955, Londres, Reino Unido) y Tory Crimes (nacido Terry Chimes, 1956 Londres, Reino Unido), todos provenientes de London SS, grupo en el que también militaba Nicky “Topper” Headon (1955, Bromley, Gran Bretaña).

Paul Simonon nunca había tocado ningún instrumento y decide tomar el bajo después de escuchar a los Sex Pistols; Mellor adopta el nombre “Strummer” (literalmente: “Aporreador”) después de continuas e improvisadas interpretaciones con el ukelele de la canción “Johnny Be Good” en estaciones del Metro de Londres, The Clash es el nombre elegido por Mick Jones después de descubrir que el término “conflicto” es el más repetido en las portadas de los periódicos británicos.

The Clash

Al primer concierto de agosto de 1976 (como teloneros de los Sex Pistols), siguen otras actuaciones en varios Festivales punk, junto con los omnipresentes Sex Pistols y Siouxsie And The Banshees. El sonido es áspero y conciso, el ritmo agresivo y una fuerte connotación política en sus letras distinguen a The Clash en la escena punk-rock, sobre todo tras publicarse “White Riot”, su primer 45 (marzo de 1977), un ataque duro a las instituciones por los disturbios de Notting Hill en Londres el año anterior, entre la policía y los jóvenes de la comunidad negra. Este papel de “alma política” de la escena punk se manifiesta en el “White Riot Tour”, que culmina en mayo con la destrucción del Rainbow Club de Londres al provocar un auténtico frenesí violento en la audiencia, reforzada por el “aire revolucionario de “London’s Burning”, “Career Opportunities”, “I’m so bored with the USA” y “Garageland”, y conforman unos episodios clave en la historia de The Clash, así como su debut a 33 rpm publicado un mes antes.

“Give ‘Em Enough Rope” (1978) confirma el compromiso y el deseo de desestabilizar, sucesión de melodías básicas y pegadizas teñidas del más crudo punk-rock. El álbum alcanza el segundo lugar en las listas británicas pero pasa desapercibido en el mercado de EE.UU.

Entre 1979 y 1980, graban una considerable cantidad de material que marca un cambio decisivo, por supuesto, se mantiene el compromiso político, se advierte un deseo de experimentar con el funk, el rap, el reggae y las tendencias de las minorías étnicas de Londres. La idea funciona y London Calling (el doble álbum editado en diciembre de 1979) resulta una obra maestra de la música inglesa. En ella se nos revelan las profundas raíces musicales de los cuatro miembros que van desde el blues al jazz, sin olvidar el rock and roll: “London Calling” (una de sus canciones más exitosas), “Spanish Bombs” y “Brand New Cadillac”. Aún más sorprendentes son la investigación de los sonidos que se anticipan en por lo menos diez años a los géneros de moda de los años 90 (“The Guns of Brixton”, “Train in Vain” y “Lost in the Supermarket”). El aspecto revolucionario y el deseo de unirse con causas “sociales” son también un éxito comercial masivo en todo el mundo, incluyendo los Estados Unidos.

En 1980, con algunas giras impresionantes, se imponen los Clash, como una de las más importantes expresiones de las fuerzas del punk rock (sin embargo, es a partir de aquí cuando se inicia una cierta decadencia). El lanzamiento del mini-álbum “Black Market Clash” y el disco triple “Sandinista!” (se venden a un precio menor y la diferencia la aporta el propio grupo con parte de la recaudación de los conciertos en vivo) a finales de 1980 (el año en que The Clash también produce la película “Rude Boy”) confirman que las ideas innovadoras de marketing en la industria musical responden a cuestiones complejas. Para bailar dando ideas para pensar y tener una conciencia parece ser el espíritu que impregna el ambicioso y original triple disco en el que conviven canciones que son muy diferentes entre sí: “Police On My Back”, “The Magnificent Seven”, “Rebel Waltz“, “Washington Bullets” se encuentran entre los preferidas por el público.

Publicado, en noviembre de 1981, el single a 45 rpm “This Is Radio Clash” muestra otras cualidades, un sonido extremo capaz de anticiparse a la música rap/hip-hop. La confirmación viene de “Combat Rock” (1982), un poderoso álbum que contiene momentos extraordinarios, tales como “Should I Stay or Shoud I Go?” y “Rock The Casbah”. Es 1982 y el grupo estaba en la cima de la popularidad, tanto es así que al final del año, incluso tocan junto a The Who, clásica banda de los años 60 y 70 para disfrutar de la unión entre generaciones punk.

The Clash casi listos…
para marcharse.

El año siguiente, Strummer y Jones, las dos almas de los Clash, muestran signos de disensión con los demás. Mick Jones forma Big Audio Dynamite, mientras Strummer (junto con Simonon) toma el nombre Clash y publica un infravalorado “Cut the Crap” (1985).

Jones y Strummer (una de las parejas de oro de la historia de la música inglesa) se reúnen en octubre de 1986 para el segundo disco de Big Audio Dynamite (“No. 10, Upping St.”), pero el reencuentro tan deseado de The Clash es una de las muchas leyendas que jalonan la historia del rock y que quedarán por siempre inconclusas. Clash On Broadway, una gran caja de triple disco editada  en 1991, nos recuerda a todos la importancia capital de un grupo que, aunque en su momento fue muy exitoso también ha conseguido ser el alma de toda una época difícil y dura a caballo entre los 70 y el comienzo de los 80.

Discografía oficial
The Clash UK (1977)
Give ‘Em Enough Rope (1978)
The Clash US (1979)
London Calling (1979)
Sandinista! (1980)
Combat Rock (1982)
Cut the Crap (1985)

Filmografía
1980 Rude Boy
1986 This Is Video Clash
1999 Westway to the World
2003 The Essential Clash
2007 Up Close & Personal
2007 Joe Strummer: The Future Is Unwritten

Giras
1976 Anarchy Tour (como soporte de Sex Pistols) Diciembre Inglaterra
1977 White Riot Tour Mayo Inglaterra
1977 Get out of Control Tour Octubre – diciembre Reino Unido
1978 On Parole Tour Junio – julio Reino Unido
1978 Sort it out Tour Octubre – diciembre Reino Unido y Europa
1979 Pearl Harbour Tour Octubre – diciembre Estados Unidos y Canadá
1979 ‘The Clash Take the Fifth Tour Septiembre – octubre Estados Unidos y Canadá
1980 16 Tons Tour Enero – junio Reino Unido, Estados Unidos y Europa
1981 Impossible Mission Tour Abril – mayo Europa
1981 Radio Clash Octubre Reino Unido y Europa
1982 Far East Tour Enero – febrero Japón, Nueva Zelanda, Australia y China
1982 Casbah Club Tour Mayo – agosto Estados Unidos, Canadá y Reino Unido
1982 Combat Rock Tour Agosto – octubre Estados Unidos
1984 Out of Control Tour Enero – mayo; septiembre Estados Unidos y Reino Unido; Italia
1985 Busking Tour Mayo Reino Unido.

The Ramones

La aventura musical de la banda comienza en Nueva York en marzo de 1974 cuando, por primera vez, los Ramones tocan en vivo. El nombre del grupo se toma tal vez como un homenaje a un viejo seudónimo de Paul McCartney y cada componente sustituye a su verdadero apellido (Joey reía al recordar “¡Al presentarnos creían que éramos un grupo español!”).

El primer ensayo se compone de sólo tres miembros: en un primer momento, Jeffrey Hyman, más conocido como Joey “Ramone”, no es sólo un cantante, comienza a cargo de la batería, la guitarra y el bajo militan los otros dos “falsos hermanos” Johnny y Dee Dee “Ramone” (“Pase a solista de la banda y dejé la batería, ya que Dee Dee si cantaba no tocaba y si tocaba no cantaba, jajaja”).

Unos meses más tarde, se redefine la formación, finalmente, se convierten en un cuarteto con el desembarco de Tommy” Ramone “a la batería, y en agosto del mismo ’74 debutan en el CBGB’s, que había abierto el año anterior: los Ramones pronto se encuentran, junto con Patti Smith Group, Televisión, Blondie, Talking Heads, y otros artistas posteriores, incluyendo a las “vacas sagradas” de la escena Rock de aquella pequeña e inicialmente anónima Gran Manzana llena de locales que pronto se convertiría en el famoso y pintoresco templo de la nueva ola, frecuentado por intelectuales y figuras “underground” destacadas como Lou Reed, John Cale y Andy Warhol.

Para la banda se inicia así una larga carrera que duró más de veinte años, con algunos cambios de miembros en su periplo, y que se completó finalmente en 1996, un año después del lanzamiento de Adios Amigos, el último de los catorce álbumes de estudio de los Ramones. Durante este extenso período de tiempo, la banda nunca ha mutado su estilo, sino más bien refinado, la receta del éxito que, desde el principio, ha determinado el éxito duradero: canciones rápidas, simples y pegadizas, a medio camino entre el rock’n ‘roll vibrante, el pop y el estilo setentero del surf-rock, con la adición de algunas baladas y versiones acertadas, brillantemente redescubiertas y reelaboradas en clave moderna.

The Ramones

Al escuchar hoy en día sus canciones y desde una distancia de más tres décadas, sus registros se mantienen intactos, mantienen su frescura original y siguen siendo muy relevantes, Los Ramones se han convertido en la banda de rock más emblemática de todos los tiempos, incluso con la recopilación homenaje, aunque un poco decepcionante “We’re a happy family (2003)”, con la participación de artistas de renombre internacional como, entre otros, Eddie Vedder, Tom Waits, U2, Metallica, Red Hot Chili Peppers. Además, es muy grande el número de bandas de la actualidad, más o menos conocidas, de todo el mundo que se inspiran en los Ramones, y son quizás el referente apropiado para realizar covers del famoso cuarteto.

Nuestros oídos se acostumbran a los numerosos imitadores, tal vez se nos escapa, sin embargo, el hecho y la dificultad que tenía interpretar la música de los Ramones a mediados de los años 70, siendo muy jóvenes, fueron los primeros en crear algo verdaderamente revolucionario, un rock’n’ roll de vanguardia que, después de ser tratado y reelaborado en tono punk y new wave, ha dado lugar a profundas consecuencias en la historia del Rock.

Lo que los Ramones hicieron fue un intento consciente para recuperar las raíces profundas de una tradición que el rock a mediados de los años 70, parecía haber perdido, se había alejado algo de la vitalidad original de los años 50 y principios de los 60, pero, al ser ahora un regreso al pasado, este intento sólo podía conducir a una profunda renovación de rechazo del pasado a favor de estructuras más modernas, el deseo de crear algo nuevo, tomó la forma de un cuestionamiento total de los valores compartidos del Rock, empezando por el concepto mismo del icono de “estrella del rock”: Los Ramones introdujeron una “anti-estética” que, exagerando los estereotipos, se convirtió a su vez en una imagen muy original, a partir de las chaquetas de cuero, camisetas adherentes, jeans rotos y zapatillas de tenis, que parecían, desde su aspecto grotesco, burlarse de todo y de todos. Pero la profanación se incrementó desde un punto de vista estrictamente musical, en palabras de Tommy: “Entregamos el sonido del rock a un mundo psicótico y nos hemos concentrado en una delgada línea de energía. En una era de rock progresivo, con su complejidad y su contrapunto, que tenían una perspectiva de la no musicalidad e inteligencia que se hizo cargo de la capacidad de la música”.

No era tanto el abandono de la técnica musical, sino más bien el rechazo deliberado de un tecnicismo que, en los años 70, a menudo se convertía en un fin en sí mismo a expensas de lo que, a veces, era inconciliable: la espontaneidad rebelde juvenil, la inmediatez de la comunicación, el deseo de entretener y divertirse. El camino hacia la democratización del Rock estaba definitivamente abierto: después de Los Ramones, cualquiera podría hacerlo. Sus primeras canciones con duración media de dos minutos, se caracterizaron inicialmente por algunos acordes enmarcados en un “muro” de guitarras distorsionadas, trepidante sección rítmica, muy pocos adornos, y voz de niño, realmente muy personal para el eterno adolescente que era el líder Joey, murió en 2001 (el año después de su álbum fue lanzado un disco en solitario póstumo, (“Don’t worry about me” 2002).

Con letras dementes al borde del delirio verbal, mostraron una desconexión total, el compromiso permanente de la banda en el rechazo de la seriedad que corresponde a un músico “real”, en un ambiente surrealista de dibujos animados, los Ramones cantaban sobre las neurosis de menores y la locura mental, el sol de California, bates de béisbol e ingenuos amores adolescentes. Su lema era una locura “Gabba Gabba Hey”. Y la palabra era una sola: “Fun”. Siempre y para siempre.

Estas son las premisas de base en el histórico primer álbum, “Ramones”, lanzado en 1976, donde aparecen sus populares canciones como “Blitzkrieg Bop”, “Beat on the Brat”, “53rd & 3rd” y “I wanna be your boyfriend” en tan sólo media hora de duración, es un fenomenal debut que deja casi sin palabras a la audiencia y los críticos de la época. Parece que se enfrentan a una especie de “año cero” del Rock, tal es la brillante simplicidad y con un diseño de sencillez irreverente: el público de la época, desorientado, y los cuatro miembros son vistos o como unos genios o como unos bufones, o, en algunos casos, como las dos cosas juntas.

¿Qué es el Rock de los Ramones? Reducido a lo esencial, el ritmo pulsante y adictivo que no deja tiempo para pensar, para reflexionar, para disfrutar de la misma música, las canciones de todos los días, una locura, un acompañante que siempre se encuentra en un apuro y donde la música no puede ser menos que antes, pero está profundamente inmersa e implicada en la vida bajo la tierra caótica y fragmentada que se refleja, y que con mirada divertida, exorciza.

Lanzado en el mismo año, su segundo trabajo, “Leave Home” (1977), rotundas canciones como “Glad to see you go”, “Oh, oh, I love her so”, “Suzy is a headbanger”, y el tercer álbum, “Rocket to Russia” (1977), con melodías pegadizas como “Rockaway Beach”, “Sheena Is A Punk Rocker”, “Cretin Hop” y la más tenue “Here today, gone tomorrow”,  no están en lo más mínimo en contradicción con la filosofía de los primeros años, sino suponen confirmar y refinar, un mayor cuidado en los arreglos.

Sucedió en los años ’76-’77, periodo en el que los Ramones están asociados con la explosión de gran escala fenómeno “punk” y exaltado como su más precursores, particularmente después de que, durante el concierto en el Roundhouse en Londres 4 de julio de 1976, su primera actuación fuera de los EE.UU., los cuatro componentes entusiasmaron hasta tal punto que The Clash, The Sex Pistols y otros miembros de la escena local se plantearon revisar sus puntos de vista. En realidad, se trataba tan sólo de Los Ramones actuando en Londres, con ese soplo de aire fresco, gracias al cual no únicamente se transformó el underground neoyorquino de New York Dolls y Richard Hell, sino que fue importado por Malcolm McLaren y el pub-rock londinense, ambos fenómenos nuevos, pero no radicalmente innovadores, sí supuso el “salto” para dar vida a algo muy diferente del pasado: el nacimiento del movimiento punk, una gran síntesis de elementos dentro de una conflictiva sociedad

En realidad, sin embargo, sobre el “punk”, los Ramones nunca pertenecieron totalmente o en parte a este movimiento, incluso, quizás, fue un obstáculo para su carrera profesional: en ellos no había lugar para la inquietud autodestructiva de los Sex Pistols, ni el compromiso social de los Clash o la atmósfera alienada y decadente de Siouxsie y The Damned. Bajo el lema de “no feelings”, consagrados en el título de una pieza de los Sex Pistols, los Ramones se opusieron desde el principio “I wanna be your boyfriend”, en el que se canta a una “dulce chica”; el nihilismo fue reemplazado en los Ramones por la arrogancia y la falta de compromiso, una especie de energía positiva y angustia existencial que de su música parecía emanar, a pesar de su propuesta profanadora.

El Punk-rock, sin embargo, comparte con los Ramones la estructura compositiva, en muchos aspectos previsible, especialmente la novedosa ansiedad y rejuvenecimiento en sus ritmos, entre los que se denotaron con los primeros e ingeniosos catalizadores. Esta necesidad fue ampliamente compartida, y se mostró con su rápido ascenso de la banda de Nueva York que, desde 1974, pasó gran parte de su carrera en gira (del orden de más de 2.200 conciertos): al igual que algunos otros, la Ramones eran de hecho un grupo que vivía en contacto con un público, cada vez más numeroso. Es un testigo fiel “It’s alive”, un álbum en vivo lanzado en 1979 (Londres, 31 de diciembre de 1977), el cual, mediante la síntesis de la primera etapa de la banda, muestra como su recorrido estaba todavía lejos de completarse.

Con su cuarto álbum, “Road to ruin” (1978), que ve la llegada de los primeros Voidoid Marc de Bell en la batería, el grupo presente, sin embargo, una cierta madurez en la que, a través de algunas piezas más lentas y cuidadas, pero no menos eficaces e inmediatas; la banda nunca repudió las inclinaciones pop, aunque ello plantease críticas por parte de algunos aficionados. En el mismo ’78, los Ramones comenzaron el rodaje de una película que tiene como protagonistas a sí mismos, la película, titulada “Rock ‘n’ roll de High School”, que sale al año siguiente junto con la banda sonora.

El siguiente álbum, “End of the century” (1980), con la llegada a la producción de Phil Spector, y Pleasent Dreams (1981), confirman el cambio parcial de la perspectiva en la dirección del pop: “Do you remember rock ‘n’ roll radio?” del primero, “We want the airwaves”, y la balada dulce y conmovedora “7-11” del segundo, siguen siendo uno de los episodios más exitosos de toda la carrera de la banda.

Durante los años 80, se alternan momentos de reconocimiento con carencia inventiva, y también hay tiempo para las crisis domésticas, una cierta repetitividad y la falta de actividad original, en ocasiones se obtienen chispazos geniales, flashes repentinos y brillantes composiciones, sobre todo, “El dilema de día”, “aullando a la luna” y “Chasing the Night” en Demasiado duro para morir (1984), “She Belongs to Me” y sobre todo “algo en que creer” (para una respiración no gana el Oscar a la mejor del clip) en Animal Boy (1986). Fuga de cerebros En 1989, el décimo álbum, que cuenta con la presencia de “Pet Sematary”, canción principal de la banda sonora de la película basada en la novela de Stephen King ha sido siempre grandes fans de la banda de Nueva York.

El siguiente trabajo, “Mondo Bizarro” (1992), a pesar de que se acusa la salida del bajista Dee Dee, es, de alguna manera, una revelación inesperada desde hace tantos años con una formación fija a sus espaldas: los Ramones casi rejuvenecidos parecen haber recuperado su mejor forma y hallado un buen equilibrio, a pesar de sus recientes conflictos internos, las características del disco, junto con otros episodios significativos, la hermosa “Poison Heart”, escrita por Dee Dee. Cabe destacar también el siguiente “Acid Eaters” (1993), un excelente álbum de versiones que encarna lo mejor del repertorio de los años 60 (de Bob Dylan a Eric Burdon, de Jefferson Airplane a Creedence, los Stones a los Who, e incluso hasta los inevitables The Beach Boys).

Desde “Rocket to Russia” en adelante, en los discos de los Ramones se abre, por lo general, un pequeño espacio para una o dos piezas de calma íntima y euforia en el que el parece disolverse en un sabor agridulce de suave melancolía, y alusiones a la juventud que se va, el tiempo que vuela, y que trae consigo el recuerdo de un amor perdido. Al igual que los personajes de dibujos animados que nunca cambian, parecía que Joey y sus compañeros querían seguir siendo siempre los mismos, su música se ha mantenido fiel a sus orígenes, fue tal vez una manera de exorcizar que pasa y que aunque surgió tímidamente en algunas de sus canciones: pero incluso si los cuatro se burlaban del tiempo, este último, ya sabes, no perdona a nadie. Adios Amigos, el álbum despedida de Ramones se abre con una cubierta cuyo título no podría ser más apropiado: “I don’t wanna grow up” (“Yo no quiero crecer”) es quizás la última protesta del niño interior que no se resigna, en realidad no , que tiene que crecer y enfrentar la vida de una manera seria y responsable, es una reivindicación de las ganas de pasarlo bien sin pensar, para jugar con la música, ser joven. Todavía una última vez.

Los Ramones

Álbumes de estudio
Ramones (23 de abril de 1976).
Leave Home (10 de enero de 1977).
Rocket to Russia (4 de noviembre de 1977).
Road to Ruin (22 de septiembre de 1978).
End of the Century (4 de febrero de 1980).
Pleasant Dreams (29 de julio de 1981).
Subterranean Jungle (28 de febrero de 1983).
Too Tough to Die (1 de octubre de 1984).
Animal Boy (19 de mayo de 1986).
Halfway to Sanity (15 de septiembre de 1987).
Brain Drain (18 de mayo de 1989).
Mondo Bizarro (1 de septiembre de 1992).
Acid Eaters (diciembre de 1993).
¡Adiós Amigos! (18 de julio de 1995).

Carole King

Carole King (nombre real Carole Klein) nació en la ciudad de Nueva York el 9 de febrero 1942. A los cuatro años comenzó a tocar el piano en la escuela secundaria y formó su primer grupo,  los Co-Sines. Su talento como compositora la lleva rápidamente al éxito. Todas las canciones de los 60 fueron coescritas junto a su marido Gerry Goffin. Pero fue en 1971 con Tapestry, conquista con su aspecto cándido y aniñado a la escena internacional desde su Nueva York natal, revelando una voz clara y una sensibilidad íntima y delicada como cantautora. El álbum se convierte en el número uno en las listas de éxitos en los EE.UU. y permanece en las listas durante más de seis años.

Sobre el encanto inmortal de baladas como “You’ve got a Friend” meláncolico tema que condujo al éxito a James Taylor, “Its too Late”, conmovedor manifiesto musical de la generación de los 70, “You make me feel (like a Natural Woman)“clásico soul-rock ya interpretado por Aretha Franklin,”So far away” y su atmósfera lenta de atracción irresistible.

Carole King

Gracias a este disco, la composición intimista se convierte en un popular género dentro del rock, con él las mujeres finalmente encuentran un modelo a seguir. Pero Carole King siempre ha negado que desempeñase un rol “social”: “Todos dicen que mis canciones han contribuido a la emancipación de las mujeres – dice -, pero en ese momento yo no era realmente consciente de ello, a lo largo de mi carrera nunca he oído hablar de que” ser mujer era un obstáculo o una ventaja. Siempre pensé en ser bien aceptada o acaso rechazada únicamente por lo que hacía “. El modelo balada acuñado por Carole King, sin embargo, seguirá siendo una referencia constante para la nueva generación de cantautores íntimistas más actuales: Suzanne Vega, Tori Amos, Natalie Merchant, Fiona Apple, Sheryl Crow.

Con Carole King, como con Janis Joplin, se celebra una revolución sexual, las utopías de los años 70, los ideales de la generación de Woodstock. Pero todo es más matizado, tierno y agradable. A través del inconformismo que brilla a través de sus canciones, la cantante y compositora neoyorquina muestra todos los signos de un personaje agrio e introvertido que no se acomoda mucho tiempo en el “estrellato”.

Tapestry seguirá siendo de hecho el ‘pináculo de su éxito’. Un éxito extraordinario. Ha vendido veinte millones de copias en todo el mundo. Ha ganado cuatro premios Grammy: Mejor Álbum del Año, Mejor Canción (“You’ve got a Friend)“), mejor composición del año (“Its too Late”), Mejor Actriz. Y sus canciones han sido grabadas por artistas como James Taylor, Quincy Jones, Rod Stewart, Bee Gees, Manhattan Transfer, Aretha Franklin y The Monkees.

A raíz de esta hazaña, Carole King sigue gozando de buena popularidad, incluso con los exitosos (pero inferiores) álbumes “Carole King Music” and “Rhymes and Reasons“, que obtuvo un único hit cada uno (“Sweet Season” y “¿Been to Canaan”). Incluso con el giro de jazz de “Wrap around” (1974) ha recibido una buena acogida por parte del público, mientras que la posterior “Really Rosie” (banda sonora de un programa infantil de televisión) y “Thoroughbread“, grabado con la ayuda de Crosby y Nash, además de la habitual de James Taylor marcarán el final de la relación con la casa discográfica Ode de Lou Adler.

King y Goffin de jóvenes

A continuación se abrirá para Carole King un período muy oscuro. La renovada unión artística con Gerry Goffin ya no producirá los resultados deseados y el matrimonio (su tercer matrimonio) con el compositor Rick Evers terminará en tragedia: Evers, de hecho, murió de una sobredosis en 1978. Los años ochenta marcan el declive inexorable de la estrella de “Tapestry”. Una decadencia que fue parcialmente interrumpida por el éxito “Pearls“, una antología de viejos clásicos realizados en los años sesenta con Goffin.

Hoy, más de cuarenta años desde el lanzamiento de “Tapestry“, es hora de volver a recordar a una sobria y melancólica Carole King, la verdadera precursora de la mujer cantante y compositora que se ha convertido en un clásico del rock americano. En 2001, Carole King regresó con “Love makes the World“, un disco, una vez más en el papel de compositora tradicional, con un puñado de baladas románticas que parecen llevar el reloj a cuarenta años atrás. Entre las canciones, la segunda versión de “Oh, no, not my baby” (escrito por primera vez por King y Goffin en los años 60, y ya regrabado en “Pearls“) y una canción (“The Reason“) interpretada por Celine Dion. Canciones como “This Time” y “Safe Again” están muy bien, pero el disco parece ser un homenaje al pasado. Hoy tiene más de setenta años, aunque quizás en el futuro cercano nos sorprenda con un último canto de cisne.

Discografía:

Álbumes
1970: Writer – US #84 (1971)
1971: Tapestry – US #1 / UK #4
1971: Music – US #1 / UK #18
1972: Rhymes and Reasons – US #2 / UK #40
1973: Fantasy – US #6
1974: Wrap Around Joy – US #1
1975: Really Rosie – US #20
1976: Thoroughbred – US #3
1977: Simple Things – US #17
1978: Welcome Home – US #104
1979: Touch the Sky – US #104
1980: Pearls: Songs of Goffin and King – US #44
1982: One to One – US #119
1983: Speeding Time
1989: City Streets – US #111
1993: Color of Your Dreams
1994: In concert – US #160
1994: Time Gone By
1996: Carnegie Hall Concert: June 18, 1971
1997: Time Heals All Wounds
1998: Goin’ Back
2000: Super Hits
2001: Love Makes the World
2005: The Living Room Tour
2010: Live at the Troubadour
2011: A Holiday Carole
2011: The Essential Carole King
2012: The Legendary Demos

Sencillos
“It Might As Well Rain Until September,” 1962, US #22 / UK #3 (en ranking de nuevo en UK #43 en 1972)
“He’s a Bad Boy,” 1963, US #94
“It’s Too Late” / “I Feel the Earth Move,” 1971, US #1 (AC #1), Gold / UK #6
“So Far Away” / “Smackwater Jack,” 1971, US #14 (AC #3)
“You’ve got a friend,” 1972, US # 11 (AC #4)
“Sweet Seasons,” 1972, US #9 (AC #2)
“Been to Canaan,” 1972, US #24 (AC #1)
“Believe In Humanity,” 1973, US #28
“You Light Up My Life,” 1973, US #67 (AC #6) (canción distinta al éxito de Debby Boone)
“Corazón,” 1973, US #37 (AC #5)
“Jazzman,” 1974, US #2 (AC #4)
“Nightingale,” 1975, US #10 (AC #1)
“Only Love Is Real,” 1976, US #28 (AC #1)
“High Out of Time,” 1976, US #76 (AC #40)
“Hard Rock Cafe,” 1977, US #30 (AC #8)
“Simple Things,” 1977, US AC #37
“Morning Sun,” 1978, US AC #43
“One Fine Day,” 1980, US #12 (AC #11)
“One to One,” 1982, US #45 (AC #20)
“City Streets,” 1989, US AC #14
“Now and Forever,” 1992, US AC #18
“Love Makes the World,” 2001