Blondie

Una exuberante puesta en escena, que giró en torno a la mítica Cbgb’s y eso es como poner juntos a nombres como Talking Heads, Television, los Ramones y Patti Smith. En comparación con sus compañeros de aventura, sin embargo, Blondie revela una propensión peculiar a la mezcolanza entre el rock desesperanzado y las modernas tendencias urbanas de la música negra. Tal vez inconscientemente, por lo tanto, dio a luz a un género de entre los más afortunados de los 70: “disco-punk” que proyectará su alargada sombra incluso la siguiente década, influenciando a toda una generación de grupos de synth-pop, tecno y demás.

Bella, desgarrada, moderna, Blondie es esencialmente sinónimo de su rubia cantante Debbie Harry, uno de los más poderosos iconos femeninos de los años setenta, y, con toda probabilidad, la cantante de rock más guapa que haya habido. Sin embargo, el comienzo de la carrera de Deborah Harry ciertamente no parecía tan deslumbrante. Recién aterrizada de una carrera mediocre como cantante de rock a finales de los años 60 (que es la voz de Wind in the Willows y luego de First Crow On The Moon, grupo telonero de Velvet Underground durante una actuación en Nueva York), trabajó primero como dependienta en una tienda, y luego como manicurista antes de que la revista Playboy pusiera sus ojos en ella y su cuerpo sexy. Incluso de conejito, sin embargo, la rubia platino Debbie no había sido capaz de ir más allá de un trabajo como camarera en Max. Sin embargo, pese a tribular entre las mesas del restaurante, se las arregló para obtener los conocimientos adecuados y realizar su sueño: Triunfar en el mundo del Rock.

En 1973, Debbie Harry hizo su debut en un grupo liderado por Fred Smith y Chris Stein. Este último, también su compañero en la vida civil, en 1975, se monta una banda específicamente para ella, Blondie, en la que se une más tarde también el baterista Clemente Burke, el bajista Gary Valentine y el decisivo y fundamental teclista James Destri. A pesar de que ella es la rubia cantante y lidera el grupo, el nombre Blondie tiene otro origen: deriva de la tira cómica: “Blondie y Dagoberto”.

Blondie

Gracias a la sensualidad de esta “punk Marilyn Monroe”  y la inmediatez de su sonido, los Blondie se abren camino en la escena underground de Nueva York. Pero para hacerse un nombre comienza a crearse también su música. El primer single (“X Offender” y el lento “In The Flesh”) dan una primera idea de lo que será la receta para el álbum de debut de Blondie, bajo la bandera de un punk-pop original, lo que sería combinar al Moroder música disco con el punk rudo de los Ramones, la atmósfera de las obras musicales de Broadway y la rugosidad del garage-rock. Entre las canciones, además de los dos singles mencionados, también destaca “Rip her to Shreds”, casi un manifiesto de este nuevo estilo.

Después de Plastic Letters (1977), el single “Denis” (que alcanzó el número 2 en las listas del Reino Unido), “Kidnapper” y “Presence Dear”, Blondie retorno al éxito al año siguiente gracias a Parallel Lines, producido por Mike Chapman obtuvo su hit más popular de modo inmediato con “Heart Of Glass” (música disco de alto nivel combinada con las voces sensuales de Harry y exuberantes teclados proto-synth-pop). Pero canciones como “Hanging On The Telephone” y “Sunday Girl” mantienen en la cima de la popularidad a la “vampiresa” vocalista. El mismo año se añade a la formación el bajista Nigel Harrison y Frank Infante se convirtió en el segundo guitarrista.

Blondie

La leyenda dice que Patti Smith estaba celosa de Debbie Harry, capaz de conquistar la escena con sus miradas efectistas y sus caricias sensuales. Cantando con trajes rotos y zapatos de tacón alto, la ex conejito consigue crear un “vamp” personaje con la cantidad justa de ironía. Blondie también aparece en el documental de la película “Blank Generation”, la realización de “He left me”, y sonando sin cesar en las cadenas de televisión europeas, y de gira como telonera de Iggy Pop en América. Su carrera marcha ahora rodada y los dos hit de 1979, “Dreaming” y “Atomic” – ejemplos brillantes del “cortar y pegar” en el estudio, los ecos celestiales de voces de hadas, vestidos psicodélicos y arreglos burlonamente retro arrasan en las listas de éxitos. Las dos canciones conducen al éxito del álbum Eat To The Beat (1979), en la que, sin embargo, la receta de la banda comienza a mostrar agotamiento, como lo confirma el posterior Autoamerican (con “Rapture”).

Logra un doble disco de platino, antes de la inevitable puesta del sol, Blondie todavía se las arregla para tallar una joya de disco-punk como “Call Me”, creando un convincente ambiente de baile. La canción, compuesta junto al padre de la música disco, Giorgio Moroder, culminará en la película “American Gigolo” (con Richard Gere). A partir de entonces su figura declina. Debbie Harry grabó el álbum en solitario Koo Koo del todo irrelevante, mientras que con Hunter (1982) termina tristemente la épica Blondie.

Después del infarto de su marido Chris Stein, Debbie Harry se retira por un tiempo de la escena para embarcarse en una incierta carrera de estrella de películas de serie B. A su regreso, tristemente lastrado físicamente por el paso de los años, con álbumes mediocres como Rockbird 1986 (destaca el lánguido “Free To Fall”), Def Dumb & Blonde (1989), con el single “I Want That Man”, y Debravation (1993 ), que no hacen sino aumentar la sensación de que la frescura de Blondie se ha perdido.

Desafortunadamente, el síndrome de la “reunión” también les afecta, y en el 98, por lo que, nos encontramos con Blondie en la gira, por celebrar su regreso, seguido de un álbum, No Exit, publicado en 1999 y rápidamente olvidado por todos, a excepción del single “Maria”.

Aunque gran parte de su música en última instancia, no es más que pop bien pulido, Blondie tiene el mérito de haber lanzado un puente entre la exuberancia de la música negra y la vehemencia del punk, el funk y la sensualidad de humor fatal y la distancia con la new wave.

Después de ellos, la música disco nunca será lo mismo, pero también en el rock es fácil de imitar a sus rivales de modo más o menos confeso, Garbage de Shirley Manson y los neoyorquinos The Strokes.

Blondie

Desde 1976, se han vendido 40 millones de álbumes. A tener en cuenta, por último, que Chrysalis ha reeditado la primera media docena de álbumes del grupo, enriquecido por un puñado de temas inéditos (entre los cuales hay una versión en directo del bowiano “Héroes”), y que la vida de Debbie Harry ha terminado en la gran pantalla en Hollywood, con Drew Barrymore encarnando a la “niña maldita”.

Álbumes de Estudio
Blondie (1976).
Plastic Letters (1977).
Parallel Lines (1978).
Eat to the Beat (1979).
Autoamerican (1980).
The Hunter (1982).
No Exit (1999).
The Curse of Blondie (2003).
Panic Of Girls (2011).
Ghosts Of Download (2013).

The Clash en formación de combate

The Clash fue una de las banda británicas de rock más innovadoras, una mezcla entre el punk y la new wave. Esta es la historia de la revolución musical de Joe Strummer y sus compañeros:

Grupo de importancia primordial, dentro de la renovación del panorama musical en la Inglaterra de finales de los 70, con Joe Strummer (nombre artístico de John Graham Mellor, 1952 Ankara, Turquía) quien era el hijo de un diplomático británico y líder de los 101ers, Michael “Mick” Jones (1955, Londres, Reino Unido), Paul Simonon (1955, Londres, Reino Unido) y Tory Crimes (nacido Terry Chimes, 1956 Londres, Reino Unido), todos provenientes de London SS, grupo en el que también militaba Nicky “Topper” Headon (1955, Bromley, Gran Bretaña).

Paul Simonon nunca había tocado ningún instrumento y decide tomar el bajo después de escuchar a los Sex Pistols; Mellor adopta el nombre “Strummer” (literalmente: “Aporreador”) después de continuas e improvisadas interpretaciones con el ukelele de la canción “Johnny Be Good” en estaciones del Metro de Londres, The Clash es el nombre elegido por Mick Jones después de descubrir que el término “conflicto” es el más repetido en las portadas de los periódicos británicos.

The Clash

Al primer concierto de agosto de 1976 (como teloneros de los Sex Pistols), siguen otras actuaciones en varios Festivales punk, junto con los omnipresentes Sex Pistols y Siouxsie And The Banshees. El sonido es áspero y conciso, el ritmo agresivo y una fuerte connotación política en sus letras distinguen a The Clash en la escena punk-rock, sobre todo tras publicarse “White Riot”, su primer 45 (marzo de 1977), un ataque duro a las instituciones por los disturbios de Notting Hill en Londres el año anterior, entre la policía y los jóvenes de la comunidad negra. Este papel de “alma política” de la escena punk se manifiesta en el “White Riot Tour”, que culmina en mayo con la destrucción del Rainbow Club de Londres al provocar un auténtico frenesí violento en la audiencia, reforzada por el “aire revolucionario de “London’s Burning”, “Career Opportunities”, “I’m so bored with the USA” y “Garageland”, y conforman unos episodios clave en la historia de The Clash, así como su debut a 33 rpm publicado un mes antes.

“Give ‘Em Enough Rope” (1978) confirma el compromiso y el deseo de desestabilizar, sucesión de melodías básicas y pegadizas teñidas del más crudo punk-rock. El álbum alcanza el segundo lugar en las listas británicas pero pasa desapercibido en el mercado de EE.UU.

Entre 1979 y 1980, graban una considerable cantidad de material que marca un cambio decisivo, por supuesto, se mantiene el compromiso político, se advierte un deseo de experimentar con el funk, el rap, el reggae y las tendencias de las minorías étnicas de Londres. La idea funciona y London Calling (el doble álbum editado en diciembre de 1979) resulta una obra maestra de la música inglesa. En ella se nos revelan las profundas raíces musicales de los cuatro miembros que van desde el blues al jazz, sin olvidar el rock and roll: “London Calling” (una de sus canciones más exitosas), “Spanish Bombs” y “Brand New Cadillac”. Aún más sorprendentes son la investigación de los sonidos que se anticipan en por lo menos diez años a los géneros de moda de los años 90 (“The Guns of Brixton”, “Train in Vain” y “Lost in the Supermarket”). El aspecto revolucionario y el deseo de unirse con causas “sociales” son también un éxito comercial masivo en todo el mundo, incluyendo los Estados Unidos.

En 1980, con algunas giras impresionantes, se imponen los Clash, como una de las más importantes expresiones de las fuerzas del punk rock (sin embargo, es a partir de aquí cuando se inicia una cierta decadencia). El lanzamiento del mini-álbum “Black Market Clash” y el disco triple “Sandinista!” (se venden a un precio menor y la diferencia la aporta el propio grupo con parte de la recaudación de los conciertos en vivo) a finales de 1980 (el año en que The Clash también produce la película “Rude Boy”) confirman que las ideas innovadoras de marketing en la industria musical responden a cuestiones complejas. Para bailar dando ideas para pensar y tener una conciencia parece ser el espíritu que impregna el ambicioso y original triple disco en el que conviven canciones que son muy diferentes entre sí: “Police On My Back”, “The Magnificent Seven”, “Rebel Waltz“, “Washington Bullets” se encuentran entre los preferidas por el público.

Publicado, en noviembre de 1981, el single a 45 rpm “This Is Radio Clash” muestra otras cualidades, un sonido extremo capaz de anticiparse a la música rap/hip-hop. La confirmación viene de “Combat Rock” (1982), un poderoso álbum que contiene momentos extraordinarios, tales como “Should I Stay or Shoud I Go?” y “Rock The Casbah”. Es 1982 y el grupo estaba en la cima de la popularidad, tanto es así que al final del año, incluso tocan junto a The Who, clásica banda de los años 60 y 70 para disfrutar de la unión entre generaciones punk.

The Clash casi listos…
para marcharse.

El año siguiente, Strummer y Jones, las dos almas de los Clash, muestran signos de disensión con los demás. Mick Jones forma Big Audio Dynamite, mientras Strummer (junto con Simonon) toma el nombre Clash y publica un infravalorado “Cut the Crap” (1985).

Jones y Strummer (una de las parejas de oro de la historia de la música inglesa) se reúnen en octubre de 1986 para el segundo disco de Big Audio Dynamite (“No. 10, Upping St.”), pero el reencuentro tan deseado de The Clash es una de las muchas leyendas que jalonan la historia del rock y que quedarán por siempre inconclusas. Clash On Broadway, una gran caja de triple disco editada  en 1991, nos recuerda a todos la importancia capital de un grupo que, aunque en su momento fue muy exitoso también ha conseguido ser el alma de toda una época difícil y dura a caballo entre los 70 y el comienzo de los 80.

Discografía oficial
The Clash UK (1977)
Give ‘Em Enough Rope (1978)
The Clash US (1979)
London Calling (1979)
Sandinista! (1980)
Combat Rock (1982)
Cut the Crap (1985)

Filmografía
1980 Rude Boy
1986 This Is Video Clash
1999 Westway to the World
2003 The Essential Clash
2007 Up Close & Personal
2007 Joe Strummer: The Future Is Unwritten

Giras
1976 Anarchy Tour (como soporte de Sex Pistols) Diciembre Inglaterra
1977 White Riot Tour Mayo Inglaterra
1977 Get out of Control Tour Octubre – diciembre Reino Unido
1978 On Parole Tour Junio – julio Reino Unido
1978 Sort it out Tour Octubre – diciembre Reino Unido y Europa
1979 Pearl Harbour Tour Octubre – diciembre Estados Unidos y Canadá
1979 ‘The Clash Take the Fifth Tour Septiembre – octubre Estados Unidos y Canadá
1980 16 Tons Tour Enero – junio Reino Unido, Estados Unidos y Europa
1981 Impossible Mission Tour Abril – mayo Europa
1981 Radio Clash Octubre Reino Unido y Europa
1982 Far East Tour Enero – febrero Japón, Nueva Zelanda, Australia y China
1982 Casbah Club Tour Mayo – agosto Estados Unidos, Canadá y Reino Unido
1982 Combat Rock Tour Agosto – octubre Estados Unidos
1984 Out of Control Tour Enero – mayo; septiembre Estados Unidos y Reino Unido; Italia
1985 Busking Tour Mayo Reino Unido.

The Ramones

La aventura musical de la banda comienza en Nueva York en marzo de 1974 cuando, por primera vez, los Ramones tocan en vivo. El nombre del grupo se toma tal vez como un homenaje a un viejo seudónimo de Paul McCartney y cada componente sustituye a su verdadero apellido (Joey reía al recordar “¡Al presentarnos creían que éramos un grupo español!”).

El primer ensayo se compone de sólo tres miembros: en un primer momento, Jeffrey Hyman, más conocido como Joey “Ramone”, no es sólo un cantante, comienza a cargo de la batería, la guitarra y el bajo militan los otros dos “falsos hermanos” Johnny y Dee Dee “Ramone” (“Pase a solista de la banda y dejé la batería, ya que Dee Dee si cantaba no tocaba y si tocaba no cantaba, jajaja”).

Unos meses más tarde, se redefine la formación, finalmente, se convierten en un cuarteto con el desembarco de Tommy” Ramone “a la batería, y en agosto del mismo ’74 debutan en el CBGB’s, que había abierto el año anterior: los Ramones pronto se encuentran, junto con Patti Smith Group, Televisión, Blondie, Talking Heads, y otros artistas posteriores, incluyendo a las “vacas sagradas” de la escena Rock de aquella pequeña e inicialmente anónima Gran Manzana llena de locales que pronto se convertiría en el famoso y pintoresco templo de la nueva ola, frecuentado por intelectuales y figuras “underground” destacadas como Lou Reed, John Cale y Andy Warhol.

Para la banda se inicia así una larga carrera que duró más de veinte años, con algunos cambios de miembros en su periplo, y que se completó finalmente en 1996, un año después del lanzamiento de Adios Amigos, el último de los catorce álbumes de estudio de los Ramones. Durante este extenso período de tiempo, la banda nunca ha mutado su estilo, sino más bien refinado, la receta del éxito que, desde el principio, ha determinado el éxito duradero: canciones rápidas, simples y pegadizas, a medio camino entre el rock’n ‘roll vibrante, el pop y el estilo setentero del surf-rock, con la adición de algunas baladas y versiones acertadas, brillantemente redescubiertas y reelaboradas en clave moderna.

The Ramones

Al escuchar hoy en día sus canciones y desde una distancia de más tres décadas, sus registros se mantienen intactos, mantienen su frescura original y siguen siendo muy relevantes, Los Ramones se han convertido en la banda de rock más emblemática de todos los tiempos, incluso con la recopilación homenaje, aunque un poco decepcionante “We’re a happy family (2003)”, con la participación de artistas de renombre internacional como, entre otros, Eddie Vedder, Tom Waits, U2, Metallica, Red Hot Chili Peppers. Además, es muy grande el número de bandas de la actualidad, más o menos conocidas, de todo el mundo que se inspiran en los Ramones, y son quizás el referente apropiado para realizar covers del famoso cuarteto.

Nuestros oídos se acostumbran a los numerosos imitadores, tal vez se nos escapa, sin embargo, el hecho y la dificultad que tenía interpretar la música de los Ramones a mediados de los años 70, siendo muy jóvenes, fueron los primeros en crear algo verdaderamente revolucionario, un rock’n’ roll de vanguardia que, después de ser tratado y reelaborado en tono punk y new wave, ha dado lugar a profundas consecuencias en la historia del Rock.

Lo que los Ramones hicieron fue un intento consciente para recuperar las raíces profundas de una tradición que el rock a mediados de los años 70, parecía haber perdido, se había alejado algo de la vitalidad original de los años 50 y principios de los 60, pero, al ser ahora un regreso al pasado, este intento sólo podía conducir a una profunda renovación de rechazo del pasado a favor de estructuras más modernas, el deseo de crear algo nuevo, tomó la forma de un cuestionamiento total de los valores compartidos del Rock, empezando por el concepto mismo del icono de “estrella del rock”: Los Ramones introdujeron una “anti-estética” que, exagerando los estereotipos, se convirtió a su vez en una imagen muy original, a partir de las chaquetas de cuero, camisetas adherentes, jeans rotos y zapatillas de tenis, que parecían, desde su aspecto grotesco, burlarse de todo y de todos. Pero la profanación se incrementó desde un punto de vista estrictamente musical, en palabras de Tommy: “Entregamos el sonido del rock a un mundo psicótico y nos hemos concentrado en una delgada línea de energía. En una era de rock progresivo, con su complejidad y su contrapunto, que tenían una perspectiva de la no musicalidad e inteligencia que se hizo cargo de la capacidad de la música”.

No era tanto el abandono de la técnica musical, sino más bien el rechazo deliberado de un tecnicismo que, en los años 70, a menudo se convertía en un fin en sí mismo a expensas de lo que, a veces, era inconciliable: la espontaneidad rebelde juvenil, la inmediatez de la comunicación, el deseo de entretener y divertirse. El camino hacia la democratización del Rock estaba definitivamente abierto: después de Los Ramones, cualquiera podría hacerlo. Sus primeras canciones con duración media de dos minutos, se caracterizaron inicialmente por algunos acordes enmarcados en un “muro” de guitarras distorsionadas, trepidante sección rítmica, muy pocos adornos, y voz de niño, realmente muy personal para el eterno adolescente que era el líder Joey, murió en 2001 (el año después de su álbum fue lanzado un disco en solitario póstumo, (“Don’t worry about me” 2002).

Con letras dementes al borde del delirio verbal, mostraron una desconexión total, el compromiso permanente de la banda en el rechazo de la seriedad que corresponde a un músico “real”, en un ambiente surrealista de dibujos animados, los Ramones cantaban sobre las neurosis de menores y la locura mental, el sol de California, bates de béisbol e ingenuos amores adolescentes. Su lema era una locura “Gabba Gabba Hey”. Y la palabra era una sola: “Fun”. Siempre y para siempre.

Estas son las premisas de base en el histórico primer álbum, “Ramones”, lanzado en 1976, donde aparecen sus populares canciones como “Blitzkrieg Bop”, “Beat on the Brat”, “53rd & 3rd” y “I wanna be your boyfriend” en tan sólo media hora de duración, es un fenomenal debut que deja casi sin palabras a la audiencia y los críticos de la época. Parece que se enfrentan a una especie de “año cero” del Rock, tal es la brillante simplicidad y con un diseño de sencillez irreverente: el público de la época, desorientado, y los cuatro miembros son vistos o como unos genios o como unos bufones, o, en algunos casos, como las dos cosas juntas.

¿Qué es el Rock de los Ramones? Reducido a lo esencial, el ritmo pulsante y adictivo que no deja tiempo para pensar, para reflexionar, para disfrutar de la misma música, las canciones de todos los días, una locura, un acompañante que siempre se encuentra en un apuro y donde la música no puede ser menos que antes, pero está profundamente inmersa e implicada en la vida bajo la tierra caótica y fragmentada que se refleja, y que con mirada divertida, exorciza.

Lanzado en el mismo año, su segundo trabajo, “Leave Home” (1977), rotundas canciones como “Glad to see you go”, “Oh, oh, I love her so”, “Suzy is a headbanger”, y el tercer álbum, “Rocket to Russia” (1977), con melodías pegadizas como “Rockaway Beach”, “Sheena Is A Punk Rocker”, “Cretin Hop” y la más tenue “Here today, gone tomorrow”,  no están en lo más mínimo en contradicción con la filosofía de los primeros años, sino suponen confirmar y refinar, un mayor cuidado en los arreglos.

Sucedió en los años ’76-’77, periodo en el que los Ramones están asociados con la explosión de gran escala fenómeno “punk” y exaltado como su más precursores, particularmente después de que, durante el concierto en el Roundhouse en Londres 4 de julio de 1976, su primera actuación fuera de los EE.UU., los cuatro componentes entusiasmaron hasta tal punto que The Clash, The Sex Pistols y otros miembros de la escena local se plantearon revisar sus puntos de vista. En realidad, se trataba tan sólo de Los Ramones actuando en Londres, con ese soplo de aire fresco, gracias al cual no únicamente se transformó el underground neoyorquino de New York Dolls y Richard Hell, sino que fue importado por Malcolm McLaren y el pub-rock londinense, ambos fenómenos nuevos, pero no radicalmente innovadores, sí supuso el “salto” para dar vida a algo muy diferente del pasado: el nacimiento del movimiento punk, una gran síntesis de elementos dentro de una conflictiva sociedad

En realidad, sin embargo, sobre el “punk”, los Ramones nunca pertenecieron totalmente o en parte a este movimiento, incluso, quizás, fue un obstáculo para su carrera profesional: en ellos no había lugar para la inquietud autodestructiva de los Sex Pistols, ni el compromiso social de los Clash o la atmósfera alienada y decadente de Siouxsie y The Damned. Bajo el lema de “no feelings”, consagrados en el título de una pieza de los Sex Pistols, los Ramones se opusieron desde el principio “I wanna be your boyfriend”, en el que se canta a una “dulce chica”; el nihilismo fue reemplazado en los Ramones por la arrogancia y la falta de compromiso, una especie de energía positiva y angustia existencial que de su música parecía emanar, a pesar de su propuesta profanadora.

El Punk-rock, sin embargo, comparte con los Ramones la estructura compositiva, en muchos aspectos previsible, especialmente la novedosa ansiedad y rejuvenecimiento en sus ritmos, entre los que se denotaron con los primeros e ingeniosos catalizadores. Esta necesidad fue ampliamente compartida, y se mostró con su rápido ascenso de la banda de Nueva York que, desde 1974, pasó gran parte de su carrera en gira (del orden de más de 2.200 conciertos): al igual que algunos otros, la Ramones eran de hecho un grupo que vivía en contacto con un público, cada vez más numeroso. Es un testigo fiel “It’s alive”, un álbum en vivo lanzado en 1979 (Londres, 31 de diciembre de 1977), el cual, mediante la síntesis de la primera etapa de la banda, muestra como su recorrido estaba todavía lejos de completarse.

Con su cuarto álbum, “Road to ruin” (1978), que ve la llegada de los primeros Voidoid Marc de Bell en la batería, el grupo presente, sin embargo, una cierta madurez en la que, a través de algunas piezas más lentas y cuidadas, pero no menos eficaces e inmediatas; la banda nunca repudió las inclinaciones pop, aunque ello plantease críticas por parte de algunos aficionados. En el mismo ’78, los Ramones comenzaron el rodaje de una película que tiene como protagonistas a sí mismos, la película, titulada “Rock ‘n’ roll de High School”, que sale al año siguiente junto con la banda sonora.

El siguiente álbum, “End of the century” (1980), con la llegada a la producción de Phil Spector, y Pleasent Dreams (1981), confirman el cambio parcial de la perspectiva en la dirección del pop: “Do you remember rock ‘n’ roll radio?” del primero, “We want the airwaves”, y la balada dulce y conmovedora “7-11” del segundo, siguen siendo uno de los episodios más exitosos de toda la carrera de la banda.

Durante los años 80, se alternan momentos de reconocimiento con carencia inventiva, y también hay tiempo para las crisis domésticas, una cierta repetitividad y la falta de actividad original, en ocasiones se obtienen chispazos geniales, flashes repentinos y brillantes composiciones, sobre todo, “El dilema de día”, “aullando a la luna” y “Chasing the Night” en Demasiado duro para morir (1984), “She Belongs to Me” y sobre todo “algo en que creer” (para una respiración no gana el Oscar a la mejor del clip) en Animal Boy (1986). Fuga de cerebros En 1989, el décimo álbum, que cuenta con la presencia de “Pet Sematary”, canción principal de la banda sonora de la película basada en la novela de Stephen King ha sido siempre grandes fans de la banda de Nueva York.

El siguiente trabajo, “Mondo Bizarro” (1992), a pesar de que se acusa la salida del bajista Dee Dee, es, de alguna manera, una revelación inesperada desde hace tantos años con una formación fija a sus espaldas: los Ramones casi rejuvenecidos parecen haber recuperado su mejor forma y hallado un buen equilibrio, a pesar de sus recientes conflictos internos, las características del disco, junto con otros episodios significativos, la hermosa “Poison Heart”, escrita por Dee Dee. Cabe destacar también el siguiente “Acid Eaters” (1993), un excelente álbum de versiones que encarna lo mejor del repertorio de los años 60 (de Bob Dylan a Eric Burdon, de Jefferson Airplane a Creedence, los Stones a los Who, e incluso hasta los inevitables The Beach Boys).

Desde “Rocket to Russia” en adelante, en los discos de los Ramones se abre, por lo general, un pequeño espacio para una o dos piezas de calma íntima y euforia en el que el parece disolverse en un sabor agridulce de suave melancolía, y alusiones a la juventud que se va, el tiempo que vuela, y que trae consigo el recuerdo de un amor perdido. Al igual que los personajes de dibujos animados que nunca cambian, parecía que Joey y sus compañeros querían seguir siendo siempre los mismos, su música se ha mantenido fiel a sus orígenes, fue tal vez una manera de exorcizar que pasa y que aunque surgió tímidamente en algunas de sus canciones: pero incluso si los cuatro se burlaban del tiempo, este último, ya sabes, no perdona a nadie. Adios Amigos, el álbum despedida de Ramones se abre con una cubierta cuyo título no podría ser más apropiado: “I don’t wanna grow up” (“Yo no quiero crecer”) es quizás la última protesta del niño interior que no se resigna, en realidad no , que tiene que crecer y enfrentar la vida de una manera seria y responsable, es una reivindicación de las ganas de pasarlo bien sin pensar, para jugar con la música, ser joven. Todavía una última vez.

Los Ramones

Álbumes de estudio
Ramones (23 de abril de 1976).
Leave Home (10 de enero de 1977).
Rocket to Russia (4 de noviembre de 1977).
Road to Ruin (22 de septiembre de 1978).
End of the Century (4 de febrero de 1980).
Pleasant Dreams (29 de julio de 1981).
Subterranean Jungle (28 de febrero de 1983).
Too Tough to Die (1 de octubre de 1984).
Animal Boy (19 de mayo de 1986).
Halfway to Sanity (15 de septiembre de 1987).
Brain Drain (18 de mayo de 1989).
Mondo Bizarro (1 de septiembre de 1992).
Acid Eaters (diciembre de 1993).
¡Adiós Amigos! (18 de julio de 1995).